miércoles, 26 de febrero de 2014

FROZEN (FROZEN. EL REINO DEL HIELO)


Este ha sido un año difícil para las producciones animadas de los grandes estudios americanos, y no hablo de cantidad, sino de calidad. Las empresas de Hollywood ofrecen una vez más las mismas historias y las mismas apuestas que poco despuntan en un año donde lo sobrio se implanta. Aunque es cierto que en el resto del mundo tampoco han destacado demasiadas cintas, si existen un buen puñado de propuestas de lo más interesantes, entre ellas dos nominadas al Oscar: Ernest & Celéstine (Ernest et Célestine, Benjamin Renner, Stéphane Aubier, Vincent Patar, 2012) y Se levanta el viento (Kaze tachinu (The Wind Rises), Hayao Miyazaki, 2013); y un buen puñado más de películas que la academia parece querer aparentar que no conoce como la brasileña Uma História de Amor e Fúria (Luiz Bolognesi, 2012), The Congress (Ari Folman, 2013), Approved for Adoption (Couleur de peau: Miel, Laurent Boileau, Jung Henin, 2012) e incluso de carácter más comercial como Futbolín (Metegol) (Juan José Campanella, 2013). Viendo el panorama en Hollywood, parece imposible que la factoría Disney no destaque con su Frozen,  que se presenta como la película animada más interesante, frente a las secuelas y productos facilones de las otras grandes compañías, y por consiguiente ganadora ya de ese Oscar, a no ser que Miyazaki se lo arrebate por sorpresa (esperemos).

Una extraña magia se gesta en el interior de una de las hijas del rey de Arendelle, la pequeña Elsa parece poder controlar la nieve y el hielo a su voluntad, algo que se convierte poco a poco en un peligro y que condena a la joven a la reclusión, separándola así de su hermana Ana. Con el paso del tiempo, y la llegada de la coronación de Elsa, su poder se desata como una furia sobre todo el reino sumiéndolo en un invierno eterno y consiguiendo un mayor aislamiento para la ya adulta reina, que será rebautizada como la temible reina de las nieves. Ana, con la ayuda de un joven vendedor de hielo llamado Kristoff y su reno Sven, emprende un viaje para encontrar a su hermana y conseguir que la normalidad vuelva al reino nórdico.

Disney sigue con su proceso de maduración a toda vela, y en Frozen encontramos esa renovación muy presente, el tono más maduro en las historias que ya hemos podido ver notablemente en sus anteriores películas Tiana y el sapo (The Princess and the Frog, John Musker, Ron Clements, 2009) y Enredados (Tangled, Nathan Greno, Byron Howard, 2010) e intentando no perder la esencia de los clásicos de siempre, en Frozen se sigue con esa fórmula, entonces ¿Que tiene de nuevo esta libre adaptación del cuento de los hermanos Grimm, que no se nos haya ofrecido ya? La verdad, poca cosa, pero los elementos que presenta son suficientes para que Frozen sea una película algo más que decente.

Antes de enredarnos en el fondo argumental del filme hay que destacar el buen trabajo de la banda sonora, que aunque sus canciones, salvo alguna excepción, queden lejos de las maravillosas y pegadizas obras que la Disney nos regaló durante los 90, parece que en Frozen intenta recuperar ese estilo al volver a dar protagonismo al género musical y ofreciéndonos alguna sorpresilla como la enérgica ‘Let It Go’ (podéis escucharla durante esta semana en el reproductor de la derecha del blog junto a las otras nominadas a la categoría de mejor canción) tan importante en la evolución de sus personajes y tan bien interpretada por la actriz Idina Menzel (insuperable en cualquier versión doblada). Quedando esto remarcado vayamos a explorar que se esconde tras el tradicional cuento de la Disney.

Lo primero de todo es reconocer una construcción de personajes realmente compleja para lo que la Disney nos tiene acostumbrados, por fin las aspiraciones de estos no son el único objetivo que les mueve a lo largo de la narración, algo que podemos ver por un lado en la protagonista Ana, la chica que representa de entrada el típico papel de princesa de la factoría, pero que poco a poco va sufriendo una metamorfosis a través de sus experiencias que la van alejando más y más de Cenicientas y Blancanieves, creando un personaje más humanizado que irónicamente sirve también como una auto-crítica a esas chicas acomplejadas que siempre aparecían en los clásicos de la compañía de Walt Disney. Una autodestrucción completa, y esperemos, una despedida de la mojigata imagen de chica necesitada de la figura del hombre para funcionar. La misma construcción de Ana se ve reforzada a su vez por la deconstrucción del príncipe del cual se enamora empezado el filme, que va rompiendo también con el estereotipo de perfección imaginaria implantada.

Por otro lado, si Ana sirve para dejar atrás la figura de la princesa clásica, Elsa se presenta ya de entrada como un personaje totalmente complejo que no podemos encasillar dentro del blanco o el negro, la ambivalencia que presenta es la misma que estaría dentro de cualquier personaje real, más allá del bien o el mal, emocionalmente inestable, con pocos objetivos claros pero aspiraciones a algo mejor. Elsa, aunque bien tratada por sus padres en su acomodado palacio, se ve despreciada al ser sometida a ataduras que no la dejan ser ella misma, de este modo se le crea un fuerte temor al pensar que los demás podrían despreciarla por ser distinta, gana un miedo al odio que podría suscitar entre las personas que le rodean, un miedo que además ve materializado cuándo su reino entero descubre su verdadero yo. Podríamos esperamos de Elsa el personaje antagonista por antonomasia de la Disney, esos personajes tan épicos que han causado escuela alrededor del mundo, pero no, en Frozen todo es más complejo que el bien y el mal, la liga es otra, y la evolución inmejorable.
Se me hace inevitable entrever mensajes ocultos tras el argumento del filme, especialmente en el énfasis sobre la libertad de ser lo que uno es, que tan bien se refleja bajo los acordes del 'Let it go', pero ya si eso os dejo a vosotros que busquéis vuestros propias y oscuras conclusiones.

Antes de terminar de hablar de los personajes, y sin meterme en todos los secundarios que quizás en ellos no encontremos tanta fuerza evolutiva aunque si narrativa, no puedo olvidar que la película del hielo está dirigida a un publico claramente infantil, que según parece, este público prefiere las simplezas de la Dreamworks, que ya con sus chistes fáciles quedan satisfechos. La Disney ha sabido atraerlos creando un personaje que aunque no parezca del todo clave en el filme, si lo es para atrapar a los más pequeños. El carisma del divertido muñeco de nieve Olaf es tan entrañable que es imposible no cogerle simpatía, una arma de doble filo, que la factoría no ha querido descartar y que ha sabido gestionar muy bien sin estropear el resultado del filme al evitar la ironía saturada.

De todos modos no estoy diciendo que esta evolución de personajes convierta Frozen en una excelente película, en realidad sería básico esperar algo así, pero el choque que tiene para una compañía tan conservadora es un avance importante, y parece ser que el camino va bien. Ahora sólo queda esperar que sigan por esta senda, mejorándola y ofreciéndonos unas películas, que aunque para niños y sin olvidar la magia de siempre, sean de lo más maduras.

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TÍTULO ORIGINAL Frozen
AÑO 2013
DURACIÓN 108 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Chris Buck, Jennifer Lee
GUIÓN Jennifer Lee (Novela: Hans Christian Andersen)
MÚSICA Christophe Beck
VOCES ORIGINALES Kristen Bell, Idina Menzel, Jonathan Groff, Josh Gad, Santino Fontana, Alan Tudyk, Ciarán Hinds, Chris Williams, Stephen J. Anderson, Maia Wilson, Edie McClurg, Robert Pine, Maurice LaMarche, Livvy Stubenrauch, Eva Bella
PRODUCTORA Walt Disney Animation Studios / Walt Disney Pictures
GÉNERO Animación. Fantástico. Musical. Aventuras. Comedia. Infantil
TEMÁTICA Cuentos. 3D. Magia. Cine familiar

SINOPSIS
Cuando una profecía condena a un reino a vivir un invierno eterno, la joven Anna, el temerario montañero Kristoff y el reno Sven emprenden un viaje épico en busca de Elsa, hermana de Anna y Reina de las Nieves, para poner fin al gélido hechizo.

PREMIOS
2013: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación y canción (Se entregan el 3 de marzo 2014)
2013: Globos de Oro: Mejor película de animación. Nominada a mejor canción
2013: Premios Annie: 5 premios, incluyendo Mejor película y director. 10 nomin.
2013: Premios BAFTA: Mejor película de animación
2012: Critics Choice Awards: Mejor película animada y mejor canción
2013: Satellite Awards: Nominada a mejor película de animación y canción original

CRÍTICAS
+ "Una de las películas animadas más clásicas de Disney, con el pedigrí de Hans Christian Andersen, repleta de canciones y un poco de ese humor irónico que se ha convertido en habitual en la animación actual." (Scott Foundas: Variety)

+ "Cuidadosamente realizada, hasta el último detalle (...) enérgica, humorística y no demasiado cursi (...) la película debería dignificar un año bastante mediocre en lo que se refiere a películas animadas salidas de los grandes estudios." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "[Frozen] es una incorporación fortísima al legado de Disney, una película con magia genuina (...) No importa cuán lejos puedan llegar las películas animadas, no serán mucho mejores que "Frozen"; un nuevo clásico de Disney." (Drew Taylor: Indiewire)

+ "Hay una jugosa dosis del Disney clásico en Frozen (...) tiene suficiente acción, magia, romance y -más importante para los niños- un divertido y bonachón hombre de nieve que sueña con experimentar un verano." (Mark Adams: Screendaily)

+ "El mejor musical animado de Disney desde 'La bella y la bestia'." (Alonso Duralde: The Wrap)

= "Sus personajes animados son los mismos a los que estamos habituados, figuras de cuento de ojos grandes y caras inexpresivas. Pero son un poco más complejos psicológicamente que sus precursores de Disney." (Stephen Holden: The New York Times)

+ "'Frozen' se disfruta como si fuera tu primera película de Disney, con toda la diversión y poder emocional que eso implica (...) deja la sensación de ser un clásico instantáneo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Emma Dibdin: Digital Spy)

+ "Un entrada de cine invernal y maravillosamente encantadora. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Es divertida, y siguiendo la vieja tradición de Disney, 'Frozen' inyecta algo de magia de la vieja escuela en sus personajes no humanos. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "En un año de películas de animación flojas, 'Frozen' (...) toma la delantera por defecto. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Impresionante." (Peter Hartlaub: San Francisco Chronicle)

+ "Un ‘disney’ de los grandes. (...) lo que más reluce en ella es ese aroma de los primeros clásicos. (...) Con estructura y arraigo de musical, 'Frozen' mejora incluso a la ya excelente 'Enredados'" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Si [Walt] Disney levantara la cabeza, estaría muy orgulloso con esta maravillosa producción (...) Magnífico musical" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Un cuento de princesas magníficamente estampado en la pantalla (...) impresionante alarde técnico (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una lección magistral de traición creativa que, he aquí lo importante, se convierte, también, en una gran película y un espectacular acto de autoafirmación. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

+ "Posee la oscuridad, la magia y la poesía del Disney de 'Blancanieves', aunque en ella hay novedades que van más allá de una deslumbrante animación digital (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (David Bernal: Cinemanía)

+ "Fantástica es una buena forma de definir brevemente esta película." (Javier Ramírez: Cine con alma)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: 6,8
- IMDB: 8
* Media: 7,3

TRAILER


VER TAMBIÉN

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lunes, 24 de febrero de 2014

KUCHU


"Combatiremos contra esas alimañas llamadas homosexuales y gais de la misma manera que luchamos contra los mosquitos de la malaria, si no de una forma aún más agresiva", así se despachaba hace unos días el presidente de Gambia Yahya Jammeh hacia la mirada internacional dejando claro que "no aceptará ninguna amistad, ayuda o cualquier otro gesto" de países que acepten a la comunidad LGTB, y rematando su discurso del modo más agresivo posible: "Por lo que a mi respecta, LGTB significa lepra, gonorrea, tuberculosis y bacterias, todas las cuales son un peligro para la existencia de los seres humanos". Hace unos días la prensa se hacía eco de la noticia explicando como Gambia se sumaba a la lista de países africanos que recientemente han empezado a crear leyes contra la homosexualidad como Uganda, Nigeria y Camerún. Noticias tan agradables como esta nos sirven desgraciadamente para hablar de películas como Kuchu (Call Me Kuchu (Nazywaj mnie Kuchu), Katherine Fairfax Wright, Malika Zouhali-Worrall, 2012), una cinta que estrenada en 2012 se centró en el caso Ugandés para recoger como se vivía la lucha por los derechos de los homosexuales antes de la aplicación de estas leyes.

Una nueva enmienda permitirá castigar en Uganda a los homosexuales aplicando la pena de muerte para ellos y la cárcel para los que no se atrevan a denunciarlos. Kuchu, recoge el día a día del colectivo LGTB que debe batallar día a día en su país para conseguir unos derechos que velen por su bienestar.

'Kuchu' es el termino peyorativo que en Uganda se utiliza para llamar a los homosexuales, palabra que el colectivo se ha hecho propia igual que ha ocurrido con palabras como 'marica' en zonas hispano-parlantes o 'queer' y 'faggot' en las de lengua inglesa, así que es fácil identificar la temática de este documental que en su título original sería algo así como "llamame kuchu".

El filme, aunque se centra principalmente en las experiencias del colectivo homosexual, no deja de mostrarnos la opinión contraria con entrevistas y diálogos entre ambas partes, así como documentar alguno de los juicios donde se resuelven las denuncias con los derechos humanos en la mano, a opinión internacional y el eco de los medios, tanto locales como extranjeros son vitales para el filme que se amolda al día al día para ir creando su discurso, sin un guión del todo definido y aprovechando las novedades que van ocurriendo a lo largo del tiempo del rodaje, lo que dota al filme de una visión espontanea y lucida sobre el tema y que se convierte en una crónica cada vez más oscura a medida que la película va alcanzando su fin, no olvidemos que se terminó de producir antes de que la ley fuera aprobada, incluso podemos ver como se derogaron propuestas anteriores. A pesar de esa acomodación a lo que va sucediendo durante el rodaje, la película tiene una cuidada documentación ayuda a ponernos en situación en el caso, intentando encontrar una explicación a esta nueva ola tan agresiva de homofobia en los países africanos.

Otro de los aspectos que estructuran el documental de modo correcto es la decisión de centrarse en una figura -siempre sin dejar de lado el resto de personajes de la película-, que responde al nombre David Kato, cabeza más visible del colectivo LGTB y que fue asesinado durante el rodaje del filme, causando una automática reacción internacional.

Aunque quizás que el filme hubiese ganado mayor fuerza narrativa si hubiese sido rodado por un director que viva más de cerca la situación, es decir, de origen Ugandés, el trabajo del dúo de documentalistas americano hace un trabajo de lo más interesante que hacen de este documental una película perfectamente disfrutable (aunque usar esta palabra para una película así es algo erróneo) para la mayoría de público, haciendo fácil el acercamiento a ella, algo que desde aquí os invito a hacer sin dudar para entender lo que está pasando a nuestro alrededor.

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TÍTULO ORIGINAL Call Me Kuchu (Nazywaj mnie Kuchu)
AÑO 2012
DURACIÓN 87 min.
PAÍS Estados Unidos. Uganda
IDIOMA Inglés. Suajili
DIRECTOR Katherine Fairfax Wright, Malika Zouhali-Worrall
GUIÓN Katherine Fairfax Wright, Malika Zouhali-Worrall
MÚSICA Jon Mandabach
FOTOGRAFÍA Katherine Fairfax Wright
REPARTO David Kato, Christopher Senyonjo
PRODUCTORA Chicken & Egg / Cinereach / Catapult Film Fund / Frony Line Defenders / Puma Creative / Film Independent / IFP / The Bertha Foundation / Britdoc / Touchstone / Lucius and Eva Eastman Fund / Frameline
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Homosexualidad. África

SINOPSIS
En Uganda, una nueva enmienda permitirá castigar a los homosexuales con la pena de muerte. David Kato –el primer hombre de Uganda en “salir del armario”- y sus compañeros activistas trabajan a contrarreloj para derrocar esta legislación mientras luchan para sobrevivir a las continuas persecuciones. Pero nadie, ni siquiera los directores/productores, está preparado para el fatal asesinato que llevará al movimiento a su auge y se expandirá por todo el mundo.


PREMIOS
2012: Berlín: Premio Fairindet. Premio Teddy al documental. 2º puesto mejor documental por la audiencia.
2012: Hawaii International Film Fest: Nominada a mejor documental.
2012: Hot Docs Canadá: Mejor documental internacional.

CRÍTICA
+ "Si bien la perspectiva de un director de cine local podría haber traído más dimensiones, la cobertura de los acontecimientos es impresionante" (Robert Koehler: Variety)

+ "Es difícil imaginar una figura más valiente que el activista David Kato: un hombre gay (...) que vive en constante peligro de los ciudadanos privados y de un gobierno que quiere castigar la homosexualidad con la horca (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Sam Adams: Time Out)

+ "Con 'Kuchu', el espectador descubre una realidad desconocida para un occidente demasiado encerrado en si mismo, una realidad que se escribe a través del sufrimiento injustificado de seres humanos. El documental de Worrall i Wright nos descubre la realidad ugandesa, pero a la vez, nos invita a pensar sobre lo que pasa dentro de nuestras fronteras." (Ann Maria Iglesia: Núvol)
 
PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: 7,6
- IMDB: 7,5
* Media: 7,4

TRAILER

VER TAMBIÉN

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jueves, 20 de febrero de 2014

LA VENUS DE LAS PIELES


Es curioso como los Oscars consiguen que las grandes películas de los estudios, que por si solas ya lograran obtener una buena cuota de pantalla (con algunas excepciones que de no ser por los galardones pasarían algo más desapercibidas), y por el contrario otras películas como por ejemplo La Venus de las pieles que tienen detrás nombres como el consagrado Roman Polanski queden algo más escondidas a la vista del público. No será por la publicidad, ya que la reciente aparición de Woody Allen en los medios tras la carta abierta de su hija denunciándolo por abusos sexuales a servido a los medios de comunicación para, una vez más, volver a sacar a la luz el pasado ya caduco de Polanski. Sorprende todavía más que una filme tan interesante tampoco esté llamando tanto la atención como debería, y es que en La Venus de las pieles nos topamos con un Polanski que destila más fuerza que nunca.

Thomas busca candidatos para su nueva obra, tras un largo día de audiciones que han resultado ser una perdida de tiempo, y justo cuándo el autor decide abandonar el teatro cansado, aparece Vanda, una atolondrada actriz dispuesta a conseguir el papel.

Hace unos días leía por ahí -perdonarme, pero no recuerdo dónde- que los directores de cine más consagrados, entrados ya en años y decididos a seguir haciendo cine, llegaban a un punto en que lo único que conseguían era auto-revisarse a si mismos, entrando en una espiral que no les llevaba a ninguna parte, y que no conseguían ofrecer nada nuevo en sus cintas. Esa afirmación me parece algo loca, especialmente aplicada a la película de hoy. Es cierto que Polanski aporta todo su pasado fílmico en su última película, y que es muy fácil encontrar auto-referencias en La Venus de las pieles, pero para nada expone un resultado repetitivo, al contrario, la auto-exploración que hace el autor franco-polaco es simplemente un ejercicio cinematográfico excelente que no hace más que sumar interés a una, ya de por si, estupenda película.

En La Venus de las Pieles, Polanski vuelve a dirigir un libreto teatral llevado a pantalla tal como hizo con su anterior Un dios salvaje (Carnage, 2011), pero esta vez el resultado es mucho más personal y valiente, donde el crescendo rítmico es tan notable como la misma puesta en escena. Es interesante observar como un cineasta de edad tan avanzada sigue consiguiendo crédito para sus películas, no se me ocurre que loca productora se atrevería a apostar por un director que, a pesar de tener un renombre, podría alcanzar el fin de su vida a media producción y quedar su trabajo póstumo sin un final, y como consecuencia, perder una importante suma de dinero. Pero existe una élite de nombres en la que Polanski está incluido, dónde el saldo parece que es perenne, y que por años siga. Observando el tipo de producción también es fácil entender que esta pequeña (en el sentido productivo) película tampoco necesitó de una financiación similar a obras anteriores del director, una única localización (miento, sos dos), y tan solo dos actores dan fe de ello.

Polanski se hace suya la obra teatral de David Ives, que a su vez se sirve del libro homónimo y de tintes autobiográficos que en 1870 escribió el austriaco Leopold von Sacher-Masoch, y se la lleva al terreno más oscuro de su mente, haciendo que sea imposible la comparación del protagonista con el mismo Polanski, creando un ejercicio de metalenguaje teatral y cinematográfico que se ve reforzado hasta limites bien altos si tenemos en cuenta que la protagonista femenina es la propia mujer del polémico director. Con tan solo dos personajes, se nos devuelve a ese cine en el que Polanski supo plasmar todas sus vivencias, como ya he dicho es imposible no encontrarse dentro de La Venus de las pieles con El cuchillo en el agua (Nóz W. Wodzie, 1962) o El quimérico inquilino (Le locataire (The Tenant), 1976) (por citar un par), que al mezclarse con el recurso del lenguaje teatral, dónde la importancia del juego actor/director se hace tan esencial, se transforma en una muestra fresca de lo que hasta ahora nos había ofrecido el director.

La película, más allá de la personalidad tan viva que tiene y el juego meta-lingüístico que hace, es además un ejercicio de perversión sexual, dónde la lucha de roles cobra una importancia única, un juego estupendo para nuestra mente que es llevada a cabo por un genial Mathieu Amalric que conduce muy bien al perdido Thomas y la tremenda aportación en pantalla que hace la esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner, en su juego de ambivalencias que aprovecha para dar un tortazo a esa crítica que se encargó de crucificarla en su momento como actriz, al demostrarles lo que vale.

Aunque a simple vista pueda parecer que la historia del filme es un juego de dos, en realidad nos encontramos con un tercer personaje, que no podemos ver pero si oír. El siempre genial Alexandre Desplat repite con Polanski para ofrecer todo su potencia en una banda sonora que se convierte en otro protagonista del filme, unas canciones que se encargan de dirigir a los personajes de tal modo, que el juego entre pantallas se intensifica hasta un punto dónde, el cine dentro del cine y el teatro dentro del mismo, deja de ser un hecho para articularse como el eje vertebrador de la obra, algo que se nos anticipa ya, en el potente inicio de la película, que aunque pueda parecernos un simple plano recurso introductorio, esconde mucho más.

Definitivamente debemos prestar más atención a la cartelera para no perder de vista aquellas pequeñas (en esta ocasión grande) películas que se esconden tras tanta oscarizada película, lo que podemos perdernos puede ser lo mejor que hay en cartel.

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TÍTULO ORIGINAL La vénus a la fourrure (Venus in Fur)
AÑO 2013
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Francia
IDIOMA Francés, Alemán
DIRECTOR Roman Polanski
GUIÓN Roman Polanski, David Ives (Teatro: David Ives)
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Pawel Edelman
REPARTO Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner
PRODUCTORA R.P. Productions / Les Films Alain Sarde
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Comedia negra. Teatro

SINOPSIS
Después de un día de audiciones de actores para la obra que va a presentar, Thomas se lamenta de la mediocridad de los candidatos; ninguno tiene la talla necesaria para el papel principal. En ese momento llega Vanda, un torbellino de energía que encarna todo lo que Thomas detesta: es vulgar, atolondrada y no retrocedería ante nada para obtener el papel. Pero cuando Thomas la deja probar suerte, queda perplejo y cautivado por la metamorfosis que experimenta la mujer: comprende perfectamente el personaje y conoce el guión de memoria. 

PREMIOS
2013: Cannes: Nominada a la palma de oro.
2014: César: 7 nominaciones, incluyendo película, director, actriz y actor principales (ceremonia el 28 de febrero)
2014: Lumiere Awards: Mejor guión (Nominada a mejor actriz)

CRÍTICAS
+ "Como siempre con Polanski, las excentricidades de la narrativa están bañadas de un experto barniz de clasicismo" (Keith Uhlich: Time Out)

+ "La inclinación de Roman Polanski por los juegos psicosexuales de la mente realizados en espacios claustrofóbicos se revisa deliciosamente en 'Venus in Fur' (...) Emmanuelle Seigner es una fresca revelación" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ " Con 'La Venus de las pieles' Roman Polanski transporta un éxito de los escenarios de Nueva York a la pantalla con la máxima fidelidad y habilidad, y con el mínimo esfuerzo." (Scott Foundas: Variety)

= "'La Venus de las pieles' es un juguetón 'jeu d'esprit' que de vez en cuando tiene mano dura sobre el tema del juego del rol sexual (...) la ilusión y la realidad, y dirigir como si se tratara de un acto sexual. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Polanski extrae con talento todo lo que pretende de sus intérpretes, aporta su malicioso sentido del humor, sale triunfador del osado experimento. No es una película deslumbrante, pero sí divertida y con un punto de inquietud" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "El resultado es brillante, divertido, profundo, ocurrente y procaz. Todo en uno. Y, por supuesto, inquietante" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Desde la humildad de la obra que se sabe menor, parece un compendio juguetón de todas sus obsesiones [de Polanski] (...) Tanto Seigner como Amalric parecen pasárselo bomba, y el público con ellos" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "No puede ser más puramente Polanski: en su tono y en su carácter obsesivo; en sus diferentes planos de ataque y en su vertiente opresiva; en su fascinante intelectualidad" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Un juego de entrada y salida al texto y de mezcla de ficción perversa y realidad maligna, algo que la película consigue gracias a la excelente capacidad de Emmanuelle Seigner para ser, según convenga, chabacana y refinada" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Rebosa tensión psicosexual, dinámicas recíprocas de dominación masoquista y un montón de momentos hilarantes. Buena." (Nando Salvá: Cinemanía)

+ "El poder planteado como la lucha de sexos. El poder que implica mando y sometimiento. Y la lucha entre sexos, ¿implica masoquismo? Es la cuestión que afronta este habilidoso filme de Polanski (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Polanski construye una cámara de ecos de su filmografía anterior (...) Lo mejor: su sintética lucidez. Lo peor: que se malinterprete como un Roman Polanski menor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

+ "Una de las declaraciones de amor más hermosas jamás filmadas. (...) Puntuación: ★★★★½ (sobre 5)" (Rubén Romero: Cinemanía)


PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,4
- Filmaffinity: 7,2
- IMDB: 7,5
* Media: 7,4

TRAILER

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miércoles, 19 de febrero de 2014

PALME


Uno de los eventos cinematográficos mensuales más interesantes que se programan hoy en día es El Documental del mes, que nos acerca a un cine que por desgracia es normalmente marginado en los circuitos comerciales. El acierto de los organizadores es traernos esos documentales que, a pesar de tratar temas de lo más interesantes y lograr alcanzar un buen reconocimiento en muestras y festivales, tienen dificultades para que lleguemos a conocerlos, e incluso ellos mismos los editan más tarde en DVD a buen precio además de exhibirlos en plataformas digitales como Filmin. La muestra, que como su nombre ya describe, nos trae cada mes un documental; empezó a proyectarse sólo en cines catalanes, y llega a día de hoy a toda España e incluso países de habla hispana como Argentina, Colombia o Chile, podéis consultar las fechas y lugares de proyección en su web. El nivel es alto, sólo hay que echar un ojo a lo que ya se ha podido ver, cintas tan interesantes y variopintas como El planeta de los caracoles (Planet of Snail, Yi Seung-jun, 2011), Approved for adoption (Coleur de peau: Miel, Laurent Boileau, Jung Henin, 2012), Argentinian Lesson. Historia de una pequeña amistad (Argentynska lekcja, Wojciech Staron, 2011) o No soy una estrella del Rock (I Am not a Rock Star, Bobbi Jo Hart, 2012), así que es una experiencia a la que hay que estar atento.

Este mes nos traen a las salas Palme, cinta sueca que recoge parte de la vida de Olaf Palme, conocido político socialdemócrata que se hizo famoso por su llamamiento a la paz y el avance en materia social, algo que le convirtió en un polémico personaje tan amado como odiado y que sería la excusa perfecta para ser finalmente asesinado.

El filme, producido originalmente para televisión, hace un inicial repaso rápido de la infancia y juventud del que es sin duda el más conocido (y destacado) político sueco, para entender antes de adentrarse en sus años políticos, cuales fueron las causas de sus motivaciones influenciadas especialmente por la muerte de su padre, su paso por un internado masculino y sobretodo su estancia en los Estados Unidos en la que descubrió más de cerca la marginalidad social y que chocó tanto con su vida familiar burguesa. Durante el resto del filme se nos muestra su entrada de modo poco usual en la política, la rápida aceptación y revolución que tuvo, así como la posterior decadencia que fueron causando sus ideales al partido que encabezaba.

La película se compone básicamente de imágenes de archivo que cruzadas con algunos plano recurso y la más que acertada incursión de entrevistas a compañeros, amigos y familiares que nos relatan el lado más personal del político, convirtiendo este filme político en la radiografía de un hombre más cercana a la fabula de los ideales que en el puro relato histórico, y de paso alejándose de cualquier posible relación con el cine de propaganda más maniqueo, dejando claro su objetivo. El filme puede alardear de tener un montaje dinámico, en el que se demuestra un interés cinematográfico más allá del simple reportaje informativo, que sabe sumarse muy bien a una banda sonora bien encontrada, en la que no faltan las canciones más influyentes de la época en la que se mueve la película, donde no faltan por ejemplo los acordes -ni tampoco las imágenes- de The Beatles.

Aunque podamos pensar que Palme es una película que puede interesar a un público muy concreto, si os adentráis en su visionado descubriréis que ofrece mucho más que la historia de un político, de este modo es posible que no sólo no os parezca una mala propuesta, si no que quedaréis encantados de descubrir algo más del mundo que nos rodea.

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TÍTULO ORIGINAL Palme
AÑO 2012
DURACIÓN 103 min.
PAÍS Suecia, Dinamarca
IDIOMA Sueco, Inglés, Alemán, Francés, Español, Ruso
DIRECCIÓN Kristina Lindström, Maud Nycander
GUIÓN Maud Nycander, Kristina Lindström
MÚSICA Benny Andersson
FOTOGRAFÍA Magnus Berg, Anders Bohman
REPARTO Ingmar Bergman, Carl Bildt, Ingvar Carlsson, Fidel Castro, Tage Erlander, David Frost, Henry Kissinger, Astrid Lindgren, Shirley MacLaine, Joakim Palme, Lisbet Palme, Mattias Palme, Mårten Palme, Olof Palme, Mona Sahlin
PRODUCTORA B-Reel Feature Films / Danmarks Radio (DR) / Det Danske Filminstitut
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Política. Crimen. Biográfico. Histórico

SINOPSIS
Olof Palme, el político más destacado de Suecia, fue asesinado a tiros en las calles de Estocolmo una noche de febrero de 1986. En un abrir y cerrar de ojos, Suecia se transformó. Esta película habla sobre su vida y su tiempo, de cómo alteró la historia y de la Suecia que creó. A través de una selección de clips de archivo enlazados con entrevistas a colegas d’Olof Palme, amigos y, por primera vez, con su familia al completo, esta película acerca el político a una audiencia más amplia. Una oportunidad única de acceder a los archivos privados de la familia de Palme, fotografías y películas en 8mm.

PREMIOS
2012: 2 Premios Guldbagge: Mejor montaje y música. Nominada a mejor documental

CRÍTICAS
+ "Una película imprescindible." (Huffington Post)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,1
- Filmaffinity: 6,8
- IMDB: 7,7
* Media: 6,9

TRAILER


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martes, 18 de febrero de 2014

THE KINGS OF SUMMER


Es bueno leer que la primera edición de Americana Film Fest se ha cerrado con unas cifras más que positivas, 2.400 espectadores en tan solo un fin de semana, lo que supone un 82% de butacas llenas. Estos datos no sólo demuestran el acierto en el compromiso de los organizadores acercándonos a un cine más oculto y difícil de encontrar en salas, si no también la disposición del público a ver películas por las que los exhibidores no se atreven a apostar monopolizando las salas con filmes que se repiten en las carteleras una y otra vez. Estos resultados nos enseñan también la calidad de las películas que se han proyectado, dónde el público ha decidido premiar la estupenda Short Term 12 como ganadora del premio Artsy. Las cifras hablan por si solas, con un resultado así no es de extrañar que la organización ya este dispuesta a preparar la segunda edición de este estupenda muestra de cine americano independiente.

Y hoy despido Americana -aunque ya reseñaré más adelante alguno de los filmes que tuve oportunidad de ver en la muestra-, con la cinta que se encargó de inaugurar el festival el pasado jueves, The Kings of Summers, una divertida película que nos sirve de estupenda muestra para vislumbrar el espíritu “indi” con el que se relaciona esta primera edición del festival.

Tres adolescentes hartos de la relación con sus padres deciden abandonar el seno familiar para vivir su propia vida con libertad en medio del bosque. Allí construirán su propia casa dónde reinarán sus propias normas y leyes, donde todo es posible, donde la libertad siempre está presente.

Lo mejor de The Kings of Summer es sin duda la frescura e inocencia con la que se presenta el metraje. Esta comedia sobre la amistad es una vuelta a esos clásicos de culto de los 80-90, dándole un tono actualizado para demostrar que hay recetas que pueden seguir funcionando si no se exploran reformuladas y fuera de toda esa saturación que termina conduciendo a la cansada y aburrida repetición.

Quizás su guión pueda ser fácilmente reconocible ya que no esconde nada nuevo: unos chicos que justo empiezan a notar la pubertad sienten como su lugar no está cerca de sus agobiantes familias y deciden construir su propia vida basándose en la libertad con la fraternidad como escudo, pero ese no es motivo para pensar que esta segunda película de Jordan Vogt-Roberts pueda ser un filme facilón y sin mucho que ofrecer. Lo primero que se hace visible es sin duda la facilidad con la que Vogt-Roberts construye la película sobre una sólida base de comedia dónde, lo que en otras producciones llega a superar la línea de lo absurdo, aquí se funde con normalidad acercándose más a lo entrañablemente irónico y fácil de digerir. Jugar con los tópicos no es siempre un mal camino, y el director lo hace de un modo inteligente, todo está orquestado en The Kings of Summer, y aunque eso a la vez pueda ser también un punto en su contra se nivela con momentos de espontaneidad absoluta.

Se nota también la predisposición de unos actores en su salsa, especialmente los secundarios, que saben representar muy bien la esencia de la película en la que trabajan, y aunque todo hay que decirlo, sus personajes dan el juego suficiente para ello, no se cortan un pelo en dotarlos de verdadera personalidad.

El resultado es una película que, aunque creada en el seno de lo independiente, demuestra que podría ser perfecta para el gran público y por lo tanto, una vez más, deja claro lo absurdo de la oferta cinematográfica que nos cuelan semana tras semana. The Kings of Summer es divertida, es fresca, y aunque no sea una obra cumbre en el cine, de bien seguro os hará pasar un buen rato.

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TÍTULO ORIGINAL The Kings of Summer (Toy's House)
AÑO 2013
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Español
DIRECCIÓN Jordan Vogt-Roberts
GUIÓN Chris Galletta
FOTOGRAFÍA Ross Riege
REPARTO Nick Robinson, Gabriel Basso, Moises Arias, Nick Offerman, Megan Mullally, Alison Brie, Mary Lynn Rajskub
PRODUCTORA Big Beach Films / Low Spark Films
GÉNERO Comedia. Drama
TEMAS Adolescencia. Naturaleza. Cine independiente USA

SINOPSIS
Tres jóvenes adolescentes: Joe (Nick Robinson), Patrick (Gabriel Basso) y el excéntrico Biaggio (Moises Arias). Una cabaña perdida en el bosque. La libertad. The Kings of Summer nos adentra en la fantasiosa historia de estos tres jóvenes infelices que hartos de la sobreprotección de sus padres deciden independizarse y empezar una vida salvaje sin adultos y al margen de la sociedad, según sus normas, según sus principios.

PREMIOS
2013: Festival de Sundance: Sección oficial largometrajes a concurso.
2014: Americana Film Fest: 2ª Posición, premio Artsy del público.

CRÍTICAS
+ "Un absoluto cuento de hadas que puede ganar muchos adeptos por la manera absurda y mordazmente divertida de capturar las inquietudes adolescentes" (John Anderson: Variety)

+ "Aunque la inteligencia de la trama es un poco escasa -por no mencionar el peso en sus estudiadas excentricidades- el debut de Jordan Vogt-Roberts también ofrece una buena cantidad de recompensas" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Una pequeña y melancólica película independiente" (Anthony Lane: The New Yorker)


= "La película del debutante Vogt-Roberts es interesante aunque no nos cuenta nada nuevo que no hayamos visto anteriormente." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,9
- Filmaffinity: 6,4
- IMDB: 7,2
* Media: 6,8

TRAILER


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martes, 11 de febrero de 2014

SHORT TERM 12



Queda ya poco para que de arranque un nuevo festival en la ciudad condal, Americana MoviStar (Festival de cine independiente norte-americano de Barcelona). Una muestra que reivindica que aunque las producciones made in Usa sean las que abarrotan nuestras salas, sólo aquellas gestadas en el seno de la gran industria son las que llegan a proyectarse dejando entre sombras las pequeñas producciones independientes, muchas de ellas más valientes e interesantes que todo lo que vemos en el cine. Americana recoge una selección de filmes que a pesar de sus modestos presupuestos son películas de proyección internacional, ganadoras de varios premios y reivindicadas por la crítica gracias al esfuerzo que hay detrás y el buen resultado que ofrece, una estupenda muestra de aquello que se nos priva de ver y que por suerte, ellos nos ayudan a descubrir. Filmes como The Kings of Summer (Jordan Vogt-Roberts, 2013) que abre la muestra, Ain’t Them Bodies Saints (David Lowery, 2013), The Motel Life (Alan Polsky, Gabe Polsky, 2012) o In A World... (La voz de una generación) (Lake Bell, 2013) son algunos de los ejemplos que se podrán ver del 13 al 16 de febrero en los Cines Girona, y si os parecía que las muestras y festivales tienen precios en ocasiones algo caros Americana no deja que se pongan excusas, ya que las proyecciones de las películas serán a un precio de 4€, una aportación más que razonable para ir preparando una buena selección de lo que se quiere ver, incluso si sois rápidos todavía podéis haceros con uno de los abonos anticipadamente a través de Atrápalo, (el plazo de compra termina el día 12). Para ir abriendo boca hablo hoy de una de las propuestas que podréis encontrar, Short Term 12, una intensa película que deja claro cuales son las expectativas del nuevo festival.

Short Term 12 es una casa de acogida para jóvenes en situación desfavorable dónde trabaja Grace, una chica que dedica todo su tiempo y esfuerzo a la que es su vocación. Grace tampoco tuvo una vida fácil, y el contacto con estos chicos consigue que se abran viejas heridas que lleva arrastrando desde la infancia.

Esta película independiente se cocina en la mente de Destin Cretton a fuego lento desde que en 2008 triunfó en varios festivales con el cortometraje homónimo que nos introduce en la misa historia que hoy nos ocupa y que se basa en la propia experiencia del director en un centro similar al del filme. Cuatro años dando mimo y trabajando en el perfilado a un guión que es la base del filme y en el que no se deja nada a la suerte. El texto presenta unos personajes totalmente redondos, que funcionan como ente propio y que además sirven para profundizar en la narración principal del filme, ya sea mostrando las aristas emocionales de la protagonista, como aquellos que parece que estén ahí sin más pero que en realidad cumplen funciones esenciales para redondear la narración, ya sea con los chavales del centro que con sus problemas complementan a Grace o los voluntarios de la casa, que ya desde el arranque del filme sirven para justificarnos e irnos presentando, en lo que parece una charla cualquiera, todo lo que va a ir sucediendo a lo largo del metraje. De este modo nos topamos con unos protagonistas que desde el más pequeño hasta el más grande se complementan los unos a los otros para ir evolucionando juntos.

Con un guión tan sumamente cuidado puede sorprender la frescura de sus diálogos, que en boca de los actores encargados de ellos se eleva de un modo sentido y sincero. Destaca esa Brie Larson, que con su Grace da lo mejor de sí para mostrarnos esa gamma emocional que siente el personaje. No es de extrañar pues que estas películas tan valientes sirvan de paso como trampolín para jóvenes interpretes dónde se les da la oportunidad de demostrar que existen, y dónde pueden empezar una reputación de lo más fiable. 

Con un argumento de estas características es sumamente sencillo caer en la narración fácil y lacrimógena, especialmente si tenemos en cuenta que no se nos presenta una premisa que no hayamos visto antes en filmes de fuerte calado emocional y fácil involucración social, pero Short Term 12 evita todo encasillamiento para presentar un carácter propio, lejos de la masa de películas que repiten formulas con el paso del tiempo, para ofrecer frescura y valentía en un mismo pack. Y no es penséis que el resultado no sigue siendo de una sencillez extrema, todo lo contrario, pero la película de Cretton sabe exprimir su jugo desde la más tradicionalidad cinematográfica contentando al espectador y a la vez calando al más esquivo de ellos.

Una muestra de cine que, sin dejar de lado esa suave fotografía tan de moda que intenta dar un tono forzosamente melancólico a las películas independientes que buscan lograr emocionar al espectador de un modo sencillo, sabe que lo que en realidad importa es lo que nos cuenta y como debe hacerlo. Una película pues estupenda que desde aquí os ofrezco como carta de presentación para este nuevo festival que está a punto de arrancar y al que no podéis faltar. Seguro que descubrís películas que os enamoran.


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TÍTULO ORIGINAL Short Term 12
AÑO 2013
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECCIÓN Destin Cretton
GUIÓN Destin Cretton
MÚSICA Joel P. West
FOTOGRAFÍA Brett Pawlak
REPARTO Brie Larson, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever, Stephanie Beatriz, Rami Malek, Alex Calloway, Melora Walters, Keith Stanfield, Silvia Curiel, Harold Cannon
PRODUCTORA Cinedigm / Animal Kingdom / Traction Media
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Drama social. Cine independiente USA. Adolescencia. Enseñanza

SINOPSIS
Grace es una joven de veintitantos años que trabaja como supervisora en Short Term 12, un centro de acogida para adolescentes en situación de vulnerabilidad. Le encanta su empleo y está entregada al cuidado de los chavales, pero al mismo tiempo se debate con su propio pasado conflictivo. Cuando ingresa en el centro una chica inteligente e inquieta llamada Jayden, Grace se da cuenta de que no puede seguir dando la espalda a los problemas que arrastra desde su propia infancia.

PREMIOS
2013: Festival de Locarno: Selección oficial de largometrajes a concurso
2013: Seminci de Valladolid: Sección oficial a concurso
2013: Premios Gotham: Mejor actriz (Brie Larson)
2013: National Board of Review (NBR): Top 10 películas independientes
2013: Independent Spirit Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Larson)
2013: Satellite Awards: Nominada a mejor canción original
 
CRÍTICAS
+ "Short Term 12 es un milagro de película. Preciosamente escrita y perfectamente ejecutada, aquí está todo sobre la vida humana: lo bueno, lo malo, lo confuso y lo edificante. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Ian Freer: Empire)

+ "Este convincente drama humano descubre una nueva energía en el inspirador género del cine sobre profesores, revelando constantemente nuevas capas de sus personajes" (Peter Debruge: Variety)

+ "Una conmovedora mirada a la vida de un grupo en un hogar de acogida que evita la mayoría de los caminos habituales que hay para llegar a los corazones de los espectadores" (John DeFore: The Hollywood Reporter)

= "'Short Term 12' se basa en una serie de atractivos mini-climax sin poner en orden todos los cabos sueltos " (Eric Kohn: Indiewire)


+"Brie Larson (...), y John Gallagher Jr. (...), nos muestran lo que es actuar desnudo emocionalmente" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,5
- Filmaffinity: 7,4
- IMDB: 8,1
* Media: 7,7

TRAILER


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