miércoles, 29 de enero de 2014

TPB AFK: THE PIRATE BAY AWAY FROM KEYBOARD (THE PIRATE BAY LEJOS DEL TECLADO)



Uno de los factores que más alarmado tiene al sector industrial mundial de la cinematografía, a nivel mundial y especialmente en Hollywood (además de otros de los llamados mercados culturales), es la piratería, un factor que acusan de todos sus males sin llegar a comprenderlo como un nuevo modelo de consumo. Para su lucha siempre se escudan en los derechos de autor que tan bien saben manejar a su antojo y que se ha convertido en una de las problemáticas de nuestro tiempo más polémicas. El sector, tan conservador, no quiere actualizar su modelo comercial para adaptarse a estos nuevos tiempos y prefiere encender las antorchas para conseguir que su modelo de hacer dinero siga siendo el de antaño. De entre muchas de las grandes peleas judiciales nos encontramos con la del cierre de Megaupload o la lucha contra The Pirate Bay, la película de hoy recoge la de este último.

El documental narra el juicio de los fundadores del sitio de intercambio de archivos The Pirate Bay por los supuestos daños a la industria de Hollywood a causa de la piratería.

TPB AFK: The Pirate Bay Away from Keyboard empezó a rodarse en 2008 y su producción duró hasta mediados de 2012, siguiendo el proceso judicial del caso centrándose especialmente en tres de los co-fundadores: Peter Sunde, Fredik Neij y Gottfrid Svartholm. Aunque el filme intenta no posicionarse en exceso mostrando únicamente el proceso, su parcialidad es inevitable, al fin y al cabo la pretensión de este no es más que mostrar al mundo como se está conduciendo algo que importa (y afecta) a mucha gente. Que la película sea sueca tampoco es casual, ya que de todos es sabido que es el país con mayores libertades en la cuestión de la piratería, siendo el partido político de los piratas la tercera fuerza en el país, un factor clave también para el caso que muestra la película.

Técnicamente nos encontramos con un largometraje bastante sencillo, que intenta dar un tono de thriller en su montaje y con la ayuda de la banda sonora, algo que se ve incrementado en la parte final de la película cuándo se nos muestra la fascinante y actual ubicación de los servidores del sitio web. De este modo no se puede destacar mucho de la película, y queda evidente que es un filme al que solo va a llegar a un público realmente interesado en las cartas que propone, ya que para un espectador casual es difícil verse atrapado por sus imágenes. El documental intenta no centrarse solo en los juicios para ser algo más dinámico, pero no termina de saber muy bien como compensarlo en conjunto, por lo que su corta duración es seguramente el mejor aliado que tiene, auque también consigue un efecto negativo dejándonos la sensación de que hay demasiadas cosas que no se nos cuentan o que se podría ampliar con más entrevistas y declaraciones.

Como no podría ser de otro modo TPB AFK, que se estrenó en Festival Internacional de cine de Berlín en 2013, se encuentra bajo licencia Creative Commons, y es muy sencillo conseguirla en cualquier idioma a través de cualquier sitio BitTorrent, especialmente en The Pirate Bay, o verlo online en Youtube. Quién quiera colaborar con la causa que persigue el filme también puede acercarse a su web donde puede hacerse con una copia del documental en DVD.

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TÍTULO ORIGINAL TPB AFK: The Pirate Bay Away from Keyboard
AÑO 2013
DURACIÓN 82 min.
PAÍS Suecia, Dinamarca, Noruega, Reino Unido, Países bajos (Holanda), Alemania
IDIOMA Sueco, inglés
DIRECCIÓN Simon Klose
GUIÓN Simon Klose
MÚSICA Ola Fløttum
FOTOGRAFÍA Simon Klose
REPARTO Gottfrid Svartholm, Peter Sunde, Fredrik Neij
PRODUCTORA TBA / Anagram Produktion / Final Cut for Real / Piraya Film
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Internet/Informática. Drama judicial

SINOPSIS
Documental que narra el juicio a los co-fundadores de The Pirate Bay, los jóvenes Fredrik, Gottfrid y Peter, que se enfrentaron a una reclamación de 13 millones de dólares por daños a Hollywood en un caso de infracción de derechos de autor.

CRÍTICAS
 + "Se ha criticado que el documental no hace quedar muy bien a los fundadores, y en realidad me gusta que no nos muestre a los héroes que esperamos encontrar." (Marilín Gonzalo: El Diario.es)

+ "La labor que hay detrás de TPB AFK es toda una obra por amor al arte." (Álvaro Ibáñez 'Alvy': RTVE.es)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: 6,8
- IMDB: 7,7
* Media: 6,8

TRAILER


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martes, 28 de enero de 2014

LA QUINTA ESTACIÓN (LA CINQUIÈME SAISON)


Antes de que Peter Brosens y  Jessica Woodworth rodasen La cinquième saison (2013), ya nos habían acercado al análisis de la relación del hombre y su contacto con la naturaleza en sus dos otros trabajos: Khadak (2006) y Altiplano (2009), formando así una trilogía de lo más enigmática y angustiosa.

Una oscura sombra apocalíptica empieza a rodear una localidad Belga dónde el invierno parece que se ha instaurado para siempre y la primavera no va a volver jamás. Las plantas no crecen, los animales dejan de ser productivos, y las relaciones de los vecinos se van deteriorando más y más. La desesperación llevará a los habitantes del lugar a llevar a cabo las acciones más impensables para sobrevivir.

Si en sus dos otras películas los directores nos contaban esa visión del cataclismo medioambiental desde una perspectiva algo lejana al público europeo, los protagonistas en Khadak son un grupo de mongoles nómadas y en Altiplano la acción nos lleva hasta la aldea de Turubamba en los Andes peruanos, en esta ocasión los realizadores regresan a su Bélgica natal, concretamente a Condroz, el pueblo que los vio crecer. Allí nos cuentan la historia desde una perspectiva propia y más intima, ligada a la vida rural.

La cinquième saison abre con una secuencia de lo más desconcertante. En un plano abierto nos encontramos a un hombre estableciendo contacto visual directo con un gallo, este como respuesta no ofrece más que un excremento sobre la mesa en la que se encuentra. Esta situación se presenta ya como un resumen de lo que vamos a ver, tanto narrativamente –la distante relación del ser humano con el entorno natural- como estructuralmente –el ritmo lento que baila entra la fascinación y el aburrimiento, junto con las situaciones extrañas que bordean el surrealismo más oscuro-.

Sintetizando, nos encontramos con un fin del mundo a pequeña escala que no es complicado ir ampliándolo a raíz de su planteamiento, la relación del hombre con la naturaleza se ha roto y parece que no solo no tiene cura, si no que esta última quiere vengarse a toda costa, algo así como ese intento de Shyamalan que fue El incidente (2008), pero más complejo y lleno de aristas. Los autores del filme tienen claro lo que plantean y no dudan en presentarnos los personajes más útiles para ello, que tanto individualmente como en conjunto van conformando un cosmos dónde se nos muestra la guerra entre clases sociales, el miedo a lo extranjero, la culpa a lo nuevo o la lucha por la supervivencia más extrema, siempre con el conflicto natural como detonante, imposible pues no extrapolar ese planteamiento hasta un contexto económico que podría ser igual de factible al tono del filme y que tanto nos preocupa hoy.

El filme se construye con solidez, (des)compuesto en varios actos separados estacionalmente –invierno, primavera, verano, otoño y invierno de nuevo- y encabezados siempre por el acercamiento del hombre hacía el gallo, va poco a poco acercándose a las situaciones más apocalípticas, con una solida base estilística y una puesta en escena dónde no se olvidan los antepasados históricos y que además sabe muy bien como tratar el entorno rural en el que se encuentra. Es imposible no sentirse atraído por las imágenes del último segmento, quizás las más fantasmagóricas, dónde los habitantes del pueblo empiezan a rendir un culto pagano al puro estilo El hombre de mimbre (1973), dónde esas máscaras narigudas que recuerda a los médicos que perseguían la peste, y que rendían culto a las aves como símbolo para alejar la miseria que les perseguía.

No sólo de la onírica El hombre de mimbre bebe este filme belga, la síntesis de trabajos como la filmografía más cercana a la tierra de Béla Tarr, el ya comentado Shyamalan con El incidente o El bosque (2004), La cita blanca (2009) de Haneke o las películas de Marc Rechao de
Reygadas, son inevitables durante la visualización de la película, pero ello no quiere decir que esta no se presente con una identidad propia, que la tiene y de gran presencia.


No nos vamos a engañar al no reconocer que La cinquième saison llega a ser agotadora en algunos momentos, pero el interés que suscita es el suficiente como para tenerla en cuenta.

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TÍTULO ORIGINAL La cinquième saison
AÑO 2012
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Bélgica, Holanda, Francia
IDIOMA Francés, Flamenco
DIRECCIÓN Peter Brosens, Jessica Woodworth
GUIÓN Peter Brosens, Jessica Woodworth
MÚSICA Michel Schöpping
FOTOGRAFÍA Hans Bruch Jr.
REPARTO Aurélia Poirier, Django Schrevens, Sam Louwyck, Gill Vancompernolle
PRODUCTORA Bo Films / Entre Chien et Loup / Molenwiek Film BV / Unlimited
GÉNERO Drama. Intriga
TEMÁTICA Vida rural. Catástrofes. Naturaleza


SINOPSIS
La cinquième saison habla de una época de alteraciones climáticas, de un invierno que no acaba nunca, de una primavera que no llega, de abejas que desaparecen, vacas que no dan más leche, de una familia que espía y desespera.

PREMIOS
2012: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso. 2 premios.
2012: Seminci: Premio Especial del Jurado, Premio Fipresci, Premio de la Juventud. Nominada a mejor película.
2013: Festival Internacional de Denver: Premio especial del jurado.


CRÍTICAS
- "No ocurre nada que te merezca la atención, aunque los habitantes de este lugar tengan la certeza de que va a llegar el apocalipsis (...) Es una película infame" (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Un interesante y angustioso relato en el que se cruzan demasiadas referencias (desde 'Wicker man' a Shyamalan pasando por el lirismo de Jeunet) para resultar original." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Hay que reconocer que la ambición del proyecto es mucho más interesante que muchas historias narradas de forma clásica, y la película nos deja algo desconcertados y perplejos frente a una buena historia, pero es una obra poética demasiado oscura para ser verdaderamente inquietante." (David Pérez: No es cine todo lo que reluce)

= "[...]pese a esa molesta sensación de artificio, no deja de jugar hábilmente con los recursos de un lenguaje audiovisual lleno de simbolismo y una puesta en escena vertebrada a través del encuadre, el plano fijo y la progresiva austeridad de los espacios[...] ★★★ (de 5)" (Daniel Jiménez Pulido: El Antepenúltimo Mohicano)


PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,7
- Filmaffinity: 6
- IMDB: 7,1
* Media: 6,6

TRAILER


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miércoles, 22 de enero de 2014

PORCO ROSSO


La despedida de Miyazaki (además de la de Takahata) de su trabajo como cabeza de los siempre estupendos estudios animados Ghibli es una triste noticia, aunque también es cierto que ya en más de una ocasión se ha desdicho de su retirada. Su polémica cinta de despedida, que parece se va a llamar en España Se levanta el viento, y es sin duda de las mejores propuestas animadas que participan este año en los premios de la academia de cine estadounidense, y aunque ya cuenta con varias nominaciones y un premio por su El viaje de Chihiro, no está de más que el director nipón se vaya con un buen homenaje de sus compañeros americanos, a fin de cuentas ¿no es de las mejores cintas que participan en la categoría animada?

Unos años antes de dar el adiós definitivo, Miyazaki declaraba estar preparando una secuela de su película Porco Rosso, esta vez dentro del marco de la guerra civil española como continuidad temporal a su predecesora que se trasladaba a la época de la dictadura de Mussolini tras la primera Guerra Mundial en un punto de entreguerras, un caramelo así lo esperábamos muchos, pero tras el anuncio de su retirada parece que nos vamos a quedar sin ver nuevas aventuras del cerdo más famoso de Ghibli. Por lo pronto recordemos hoy la historia de esa primera aventura de aviones y piratas.

Varios grupos de piratas aéreos del Adriático harto de ver como sus planes se frustran a causa de la intromisión del famoso cerdo aviador Porco Rosso, deciden crear una alianza y contratan a un experto piloto americano para terminar de una vez por todas con él.

Lo que de entrada debía ser un cortometraje amable y divertido para proyectarlo en las líneas aéreas de Japan Airlines, terminó finalmente por ser un largometraje más de la extensa obra de Ghibli patrocinado igualmente por la misma compañía de vuelo y sin abandonar el tono amable captó un carácter más oscuro de lo que un principio debía ser. El carácter anti-belicista no sólo de Miyazaki sino del propio estilo del estudio animado (imposible no pensar en la obra maestra de Isao Takahata La tumba de las luciérnagas), nace en Porco Rosso al gestarse esta justo en plena explosión de la guerra de Yugoslavia de los 90, algo que no dejó indiferente al guión de Hayao Miyazaki.

La historia de pirata secuestra a jovencita se ve pues ampliada en este trasfondo de guerras que evidentemente toma toda la atención del filme, y aunque este se presente como una película algo distanciada a lo que nos tenía acostumbrados Miyazaki, no abandona jamás el espíritu de fabula tan común en su obra. Algo que se ve especialmente en el propio protagonista, un aviador que harto del sin sentido de la guerra en la que él mismo participó (espectacular escena de toma de conciencia dentro del marco del fantástico con una vía láctea de aeroplanos), se convierte en cerdo tras un hechizo (o al menos es lo que se entiende en la versión traducida del filme, parece ser que en el original es el propio Porco, antes llamado Marco Pagott, el que decide por si mismo abandonar el cuerpo de hombre tras su descontento con la humanidad, aunque eso poco importa al final). Tampoco falta uno de los elementos recurrentes en la filmografía del director, que en esta ocasión toma una relevancia clara: los aviones, afición de Miyazaki y que en tantas películas se ha encargado de dejarlo claro, el amor que siente por los artefactos voladores es tal que no hay filme que se salve de la aparición de estos, y en Porco Rosso se hacen con el filme sirviendo como eje central del mismo.

En esta película Miyazaki se nos vuelve mucho más occidental al trasladar la acción a Italia, aunque también es cierto que no es la primera película en la que los elementos europeos destacan, por ejemplo en Nicky, la aprendiza de bruja, nos encontramos unos decorados de un estilo muy europeo, algo que se irá volviendo más común en futuras películas con el paso del tiempo.

Claramente lo mejor del filme es su personaje principal, que está creado con sumo cuidado y dotado de una fuerza emocional que nada tiene a envidiar a los personajes de carne y hueso a los que los actores dan vida, contrastando muy bien con la jovencita mecánica, con la que deja entrever una mayor complejidad del personaje.

No creo que sea necesario extenderme mucho hablando de la estupenda banda sonora que acompaña a las imágenes de Porco Rosso, ya que esta es siempre sello identificable en cualquiera de las películas del estudio, esta vez el trabajo dirigido por Jô Hisaishi es tan estupendo como cualquier otro.

Aunque dentro de la filmografía de Hayao Miyazaki existen filmes mucho más complejos y completos, queda claro que Porco Rosso no desmerece entre ellos, y no podría decir que este es un trabajo mucho más personal del director japonés ya que todos lo son, pero se nota en esta un especial enfasis de sus ideas.


 
Para cerrar el comentario de la entrada, y aunque se han publicado en nuestro país varios libros sobre Miyazaki, os recomiendo una publicación que el estupendo semanario cultural francés Les inrockuptibles acaba de sacar a la venta en su revista bimestral Les Inrocks2 donde hacen una monografía del director de lo más completa y mimada, así que si no se os da mal el idioma os recomiendo echarle un ojo.

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TÍTULO ORIGINAL Kurenai no Buta
AÑO 1992
DURACIÓN 94 min.
PAÍS Japón
IDIOMA Japonés
DIRECCIÓN Hayao Miyazaki
GUIÓN Hayao Miyazaki
MÚSICA Jô Hisaishi
VOCES ORIGINALES Shûichirô Moriyama, Tokiko Katô, Bunshi Katsura, Greg Ellis, Tsunehiko Kamijô, Akemi Okamura, Akio Ôtsuka, Hiroko Seki
PRODUCTORA Studio Ghibli / Japan Airlines / Nibariki / Nippon Television Network Corporation (NTV) / TNNG / Toho Company / Tokuma Shoten
GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras
TEMÁTICA Años 20. Años 30. Aviones. Piratas

SINOPSIS
Periodo de entreguerras. Porco es un cerdo aviador que frustra todos los actos de piratería perpetrados por los piratas aéreos del Adriático. Éstos, decididos a acabar con el valiente y hábil aviador, se ponen de acuerdo para contratar a un aventurero americano cuya misión será eliminarlo.

PREMIOS
1992: Mainichi Film Concours: Mejor película animada, mejor BSO
1993: Festival de Annecy: Mejor largometraje

CRÍTICAS
+"Bellísima fantasía histórica" (M. Torreiro: Diario El País)

FRASES
* Prefiero ser un cerdo a un fascista.

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: 7,5
- IMDB: 7,8
* Media: 7,4

TRAILER


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jueves, 16 de enero de 2014

AGOSTO


Tracy Letts es conocido sobretodo por encarnar al misterioso Andrew Lockhart de la exitosa serie Homeland, pero este hijo de actores destaca exponencialmente en su faceta como dramaturgo. Tres de sus obras ya se han visto adaptadas al formato cinematográfico, y ahora nos llega a nuestras salas la tercera de ellas, Agosto, su obra más aclamada y que él mismo adapta bajo la dirección de John Wells, que se dio a conocer hace un par de años con su correcta The Company Men.

Tras la desaparición del cabeza de familia de los Weston, todos se reúnen en la casa que los vio crecer en Oklahoma. Durante los días de rencuentro irán aflorando las miserias más oscuras de todos ellos, creando una situación de lo más dolorosa e incomoda.

Después de un arranque pesado y lento, el filme no termina de alzar el vuelo hasta pasados unos buenos metros de película, de echo no es hasta llegar al momento cumbre del filme, la excelente escena de la cena familiar, en que la película por fin se torna interesante. A partir de ese punto todo lo que iremos viendo nos atrapa gracias a los diálogos mordaces, cínicos y dolorosos de sus personajes. Y es que en la familia Weston es bandera el dolor y el rencor, tan bien impregnados en las paredes del oscuro hogar, y no hay nadie que se salve de la alargada sombra que les persigue creando un dramatismo desaforado.

Evidentemente toda esa fuerza reside en un libreto que el autor lleva hasta su amarilla tierra natal, cosa que hace que el filme contenga una puesta en escena totalmente teatral dejando en evidencia una realización cinematográfica demasiado simple que no quiere interrumpir el desgarro que el guión recrea. Y aunque ese es un factor algo negativo en una película, la garra con la que nos atrapa a través de sus palabras es lo suficientemente atractiva como para poder perdonar algo así, aunque podamos echar en falta un poco de dinamismo y un mejor hilado de los pasajes del filme. De este modo parece que Welles haya olvidado la importancia de la cámara para reforzar la asfixia que sufren sus personajes, tanto emocionalmente, como físicamente.

No sería esta una notable película si no encarnaran sus protagonistas un elenco de actores que, más allá de su nombre, hacen un trabajo sobresaliente en todos los sentidos, y es cierto que Meryl Streep a la cabeza dando vida a la desequilibrada madre es incluso más potente que su personaje, o que Julia Roberts nos acaba de regalar su mejor trabajo y puede darnos un tortazo a todos los que alguna vez habíamos dudado de su nivel interpretativo, pero no son solo ellas, son Juliette Lewis y Julianne Nicholson como hermanas o Margo Martindale encarnando a esa potente tía, o esos papeles masculinos que dan vida Chris Cooper, Ewan McGregor o Benedict Cumberbatch, o cualquiera de esos monumentales artistas que aparecen a lo largo del filme y que tan bien han sabido dar lo mejor de ellos en sus actuaciones.

Quizás muchos encontrarán motivos suficientes para no valorar positivamente el resultado que se ha obtenido con este trabajo, pero a mi parecer la garra y fuerza que desprende es suficiente para tenerla en cuenta como lo que es, una estupenda obra.

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TÍTULO ORIGINAL August: Osage County
AÑO 2013
DURACIÓN 121 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN John Wells
GUIÓN Tracy Letts (Obra: Tracy Letts)
MÚSICA Gustavo Santaolalla
FOTOGRAFÍA Adriano Goldman
REPARTO Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Chris Cooper, Abigail Breslin, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Margo Martindale, Dermot Mulroney, Sam Shepard, Misty Upham, Julianne Nicholson
PRODUCTORA Jean Doumanian Productions / The Weinstein Company
GÉNERO Drama. Comedia
TEMÁTICA Comedia dramática. Comedia negra. Familia. Melodrama

SINOPSIS
Los Weston viven en una gran mansión en las afueras de Pawhuska, en Oklahoma. La desaparición del padre en extrañas circunstancias hace que la familia se reúna y que todas sus miserias salgan a la luz.

PREMIOS
2013: Oscars (Pendientes): 2 nominaciones: Mejor actriz (Streep) y actriz sec. (Roberts)
2013: Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor actriz (Streep) y actriz sec. (Roberts)
2013: Premios BAFTA: Nominada a Mejor actriz secundaria (Julia Roberts)
2013: Festival de Toronto (TIFF): Nominada al Premio del Público (Mejor película)
2013: Satellite Awards: 2 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Meryl Streep)

CRÍTICAS
= "Meryl Streep muestra su poderío, pero sus trucos teatrales lastran esta adaptación al cine (...) tiene fuerza, pero se siente más una representación que un melodrama (...) Rating: ★★ (out of five)" (Catherine Shoard: The Guardian)

+ "El mordaz éxito de Broadway de Tracy Letts llega a la pantalla con su hirviente intensidad intacta (...) como fiel representación de la obra de Letts, uno no podría haber esperado algo mejor." (Scott Foundas: Variety)

= "Una sólida reinterpretación del éxito de Broadway, pero incluso con su elenco de alto voltaje, falta algo de electricidad." (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Wells merece el crédito por hacer juegos malabares con las innumerables subtramas sin llegar a desinflar la vitalidad del material." (Eric Kohn: Indiewire)

+ "En general, el conjunto se ciñe a la visión que ofrece Letts de una familia a punto de derrumbarse, dejando que el lenguaje y las ideas del escritor hagan su trabajo." (Tim Grierson : Screendaily)

+ "Un banquete teatral totalmente disfrutable, aunque tal vez no muy profundo (...) Pero desde luego no te quedas con una sensación de hambre. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Tim Robey: Telegraph)

= "'Agosto' cae en un misterioso valle entre el melodrama y la exageración, que no alcanza cumbres de sensación operística ni momentos de buena parodia. Los chistes son demasiado trabajados, demasiado serios." (A. O. Scott: The New York Times)

= "El diálogo está escrito con tanta agudeza y la crítica maliciosa tan hábilmente realizada que puede ser entretenida, aunque difícil de soportar. (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)


+ "Magnífica (...) traslada la magnífica obra de teatro de Tracy Letts (...) con una delicadeza remarcable: ni una gota de la mala baba del original se pierde en la traducción." (Toni García: Diario El País)

= "Se ahoga en su propia desmesura. (...) Un drama familiar desgarrador, unas interpretaciones entregadas al límite (...) Se nota demasiado la artificiosidad de una propuesta más pendiente de la estrategia comercial que de cualquier otra cosa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "'Agosto' logra que todas sus piezas aparentemente menores brillen alrededor de Meryl Streep y Julia Roberts (...) La obra sigue siendo puro exceso, pero Wells y el impecable reparto logran que el espectador pueda respirar en el tenso territorio Letts" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Melodrama explosivo, una gran ocasión de lucimiento para un ilustre elenco de actores y de placer para el espectador al comparar sus diversos estilos interpretativos. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

- "Wells dirige con el piloto automático (...) Cuando Streep no está en escena, Letts (...) tiene demasiada prisa por buscar momentos de lucimiento al resto del reparto, haciéndolos desaparecer tras la escena crucial del filme" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Más que un folletín, un culebrón de tomo y lomo. Pero muy bien escrito, con secuencias de gran calado (...) No es una película particularmente creativa, pero hay que verla por su huracanado festín interpretativo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Dentro, muy dentro de ti, te arañará las entrañas, sentirás un punzamiento, tal vez, inexplicable, que te hará revolverte en la butaca (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,6
- Filmffinity: 7,1
- IMDB: 7,4
* Media: 7,4

TRAILER

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martes, 14 de enero de 2014

X FILES: CREER ES LA CLAVE


Seis años después de dar por finalizada la longeva serie Expediente X, Chris Carter, su creador, reúne de nuevo a sus agentes Dana Scully (Gillian Anderson) y Fox Mulder (David Duchovny) para una segunda película que nos transporta a unos años después de ese último capítulo en que se resolvieron casi todas nuestras dudas, pero no nos equivoquemos, X Files: Creer es la clave no es una conclusión final para satisfacer a los seguidores de la serie, ninguna suerte de epílogo que termine de cerrar una vez por todas los misteriosos encuentros de los agentes del FBI más populares, la película es simplemente una excusa para volver a reunir a sus artífices y de paso intentar contentar a los fans, aunque eso último terminó siendo algo más complicado.

Unos años después de abandonar el FBI, Mulder y Scully son llamados por la agencia para pedir su colaboración en un misterioso caso que se podría clasificar perfectamente en los expedientes X. Con la ayuda de un ex-sacerdote que cumplió condena por abusar de menores y que es capaz de tener visiones, los ex-agentes intentarán encontrar una serie de mujeres desaparecidas.

Como podemos entrever en la sinopsis Chris Carter decide inventar un nuevo caso para los agentes olvidando los eventos que despidieron la saga, lo que hace que el filme se presente como una película totalmente abierta, cualquier espectador puede lanzarse a su visionado sin necesidad de haber visto la serie o no, una decisión arriesgada, ya que un filme de estas características seguramente sólo llamará la atención del que si conoce a los personajes con anterioridad, y el no experimentado difícilmente acudirá a verla, una decisión que como era de esperar se vio reflejada de forma negativa en la taquilla que recaudó, además de una pequeña decepción para los que esperaban más respuestas en el filme.

De este modo nos encontramos ante un episodio alargado y en formato más cinematográfico que nos relata las aventuras de los agentes dos agentes de los expedientes X recuperados para el disfrute de todo aquel que lo quiera degustar. El filme se presenta como un thriller al uso, correctamente dirigido y con sus momentos de intriga correspondientes, en ese sentido la película es entretenida y aceptable, y puede gustar a cualquiera que busque algo de este tipo. A pesar de tocar levemente un tema tan complejo como puede ser la pedofilia, además de dotarlo de un sentido religioso, tampoco busca profundizar mucho en ello, o quizás no lo consigue, por lo que el guión puede parecer algo pobre en un sentido más profundo. Eso sí, el montaje de intriga está bien hilado y construido.

Es lógico el descontento del público fiel a la saga, tras varios años sin saber nada de sus queridos personajes encontrarse algo así no podía contentarles de ningún modo, así que difícilmente han podido ser benevolentes con la producción. Eso no ha evitado que los protagonistas del filme hayan dicho en varias ocasiones que estarían encantados de realizar una tercera película, así que quedaría en manos de Carter la decisión de cerrar una de las series contemporáneas más influyentes del modo que merece. Por lo pronto están viendo la luz (aunque de momento sólo en Estados Unidos), una serie de cómics que corresponderían a una décima temporada de los Expedientes X, siguiendo desde el punto dónde terminó la serie.

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TÍTULO ORIGINAL The X Files 2: I Want to Believe
AÑO 2008
DURACIÓN 106 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECCIÓN Chris Carter
GUIÓN Chris Carter, Frank Spotnitz
MÚSICA Mark Snow
FOTOGRAFÍA Bill Roe
REPARTO David Duchovny, Gillian Anderson, Adam Godley, Amanda Peet, Billy Connolly, Callum Keith Rennie, Mitch Pileggi, Nicki Aycox
PRODUCTORA Twentieth Century-Fox
GÉNERO Intriga. Ciencia ficción. Drama. Thriller
TEMÁTICA Secuela. Sobrenatural

SINOPSIS
Varias mujeres desaparecen en una población rural de Virginia. Un sacerdote que tiene "visiones" mandará a la policía a un lugar concreto, donde encontrarán una serie de fosas con cuerpos humanos congelados que parece ser un experimento médico secreto y que puede tener relación con las mujeres desaparecidas...

CRÍTICAS
= "El director -y creador de la serie- Chris Carter da a los fans devotos un montón de pequeños momentos con los que deleitarse, pero la atracción es limitada más allá de para esos fervientes seguidores." (Brian Lowry: Variety)

+ "Puede parecer un poco simple. Bueno, es un poco simple, pero también es un thriller habilidoso, que nos insinúa lo suficiente de un siniestro laboratorio como para mantenernos fascinados. (...) Puntuación: ★★★½ (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

= "Dispersa, blanda, estrenada ahora de forma un poco rara y fuera de lugar (...) la nueva película aporta incluso menos [que la primera], pero tampoco daña al legado de la serie, al menos para los fans más acérrimoS." (Manohla Dargis: The New York Times)


- "Una aventura acotada, insignificante y triste (...) Carter ha resucitado a sus mejores creaciones para darles una inesperada, innecesaria estocada de muerte." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Un capítulo soberbio (...) con algunas dosis de violencia y terror que en la tele salpicarían demasiado. (...) Pero lo mejor de la película es su guión, pese a algún ligerísimo altibajo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

PUNTUACIONES:
- Descubrepelis: 5,4
- Filmaffinity: 4,6
- IMDB: 5,9
* Media: 5,3

TRAILER DOBLADO AL ESPAÑOL


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viernes, 10 de enero de 2014

UNA CASA EN CÓRCEGA


Para empezar el fin de semana vamos con una de esas películas pequeñitas que cuándo pasan por las carteleras lo hacen con tanto sigilo que nadie apostaría por su existencia, una de esas películas que de tan sencillas son entrañables.

La abuela de Christina acaba de morir y le ha dejado a ella en herencia una casa que nadie sabia que existía. Dicha casa está situada en un pueblo casi alcanzable en la isla de Córcega, Christina deberá meditar bien que hacer con esa herencia, que llega justo en un momento en el que la joven se plantea hacía dónde va su vida.

Una casa en Córcega es un filme sencillo y encantador que nos cuenta el viaje interior de una chica que se da cuenta que se encuentra en un momento de estancación en su vida. Estando en paro ayuda a su suegro en el pub que regenta, sus padres siguen controlando sus acciones a pesar de vivir ya con su pareja, y esta última piensa más en él mismo que en ayudarla. El regalo de su difunta abuela le brindará la oportunidad de recapacitar sobre todo lo que ha ido construyendo durante su vida, llegando a plantearse si es el momento de demolerlo todo y volver a empezar.

Es cierto que esta pequeña producción podría fácilmente presentarse para una sobremesa de domingo, pero una comparación con los filmes que suelen frecuentar esa zona horaria no es hacerle ningún favor a una película que bien se lo merece. Aunque no presente muchos argumentos para clasificarla como una gran película, hay que reconocer que sus armas son estupendas para que no defraude en absoluto, y hablo de unas armas tan básicas como la humildad, la sencillez y la honestidad.

La película franco-belga se construye de un modo muy correcto, ofreciendo un crescendo argumental que estalla en un final que, aunque se anticipe tópico y fácil, justo en el momento antes de que lo alcance y nos echemos las manos a la cabeza, sorprende al elegir seguir con la sencillez que ya de entrada utiliza como bandera.

Y no me voy a alargar más. Una casa en Córcega es una película correcta y amable, que no viene mal para esos momentos en los que queremos sentarnos a ver una película sin demasiadas pretensiones y que no esté completamente hueca.

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TÍTULO ORIGINAL Au cul du loup
AÑO 2011
DURACIÓN 83 min.
PAÍS Bélgica, Francia
IDIOMA Francés, Corso
DIRECCIÓN Pierre Duculot
GUIÓN Pierre Duculot
FOTOGRAFÍA Hichame Alaouie
REPARTO Christelle Cornil, François Vincentelli, Jean-Jacques Rausin, Pierre Nisse, Roberto D'Orazio, Marijke Pinoy, Cédric Eeckhout, William Dunker, Marcelle Stefanelli, Didier Ferrari, Thomas Bronzini de Caraffa, Djemel Barek, Marie Kremer
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Vida rural. Família

SINOPSIS
Christina, una joven de treinta años, trabaja como camarera y tiene una vida aburrida junto a su novio Marco. Cuando la abuela de Christina muere le deja su casa en Córcega. Nadie parece saber cómo o cuando la anciana compró la casa. Su familia, y su novio tratan de convencer a Christina para que la venda, sin embargo ella se niega. Christina quiere entender por qué su abuela quería que tuviera esa casa. La herencia le da la oportunidad de poner en tela de juicio la monotonía de su vida, y ella decide abandonar su antigua vida para descubrir la casa y lo que ello conlleva. Este viaje va a cambiar su vida, y la de las personas que están a su alrededor.

PREMIOS
2011: Festival Internacional Amiens: Mejor película, premio del público.

CRÍTICAS
+ "Escueta, sencilla película (que nunca simple) (...) la mirada de Duculot es la de un autor que piensa mucho más en su historia y en sus criaturas que en sí mismo" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "La cinta va de menos a más. Con un enfoque sencillo (...) El desenlace es de una hermosura que te cala en los huesos. (...) En suma, una película de enorme calado. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

+ "Sencillísima película, algo antipática con unos secundarios a los que deja un poco colgados, pero tan concisa y precisa como el mejor relato breve. Y enjundiosa, vaya que sí (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Toni Vall: Cinemanía)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,7
- Filmaffinity: 6,2 
- IMDB: 6,1
* Media: 6,3

TRAILER ORIGINAL

 
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jueves, 9 de enero de 2014

LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI


Ya casi están a punto todas las listas de los premios a lo mejor del año, hace un par de días conocíamos las candidatas de la academia española, los Goya, que dejan entrever por la poca variedad de las candidatas la escasez cualitativa de este año, dónde además ha reinado la comedia por encima de la narrativa dramática, aunque esta última es la que trae las propuestas más interesantes. La segunda película con más candidaturas es el filme de Alex de la Iglesia Las brujas de Zugarramurdi, y no es nada sorprendente que esta misma no aparezca en las categorías principales: ni película, ni director, guión o actores protagonistas.

Un grupo de hombres desesperados deciden atracar una tienda de compra de oro para salir de la situación precaria en la que se encuentran. Tras un aparatoso robo sólo dos de ellos consiguen huir del lugar con el botín además del hijo de uno y un taxista que no tarda en apoyar al equipo. Perseguidos por la policía llegan a un pueblo navarro fronterizo con Francia llamado Zugarramurdi, allí les espera una sorpresa de lo más aterradora.

De la Iglesia vuelve a atacar con su comedia más gamberra en una producción que esta vez le ha quedado algo descafeinada. En Las brujas de Zugarramurdi echamos en falta ese humor negro que era bandera de su obra de culto El día de la bestia, o el que se asomaba por el siniestro guión de La comunidad, en esta ocasión el espectador verá como sus risas son más cómplices de la simpática acción que no arrancadas sin contemplación con las barbaridades que iban siendo comunes en el cine de humor del director. En ese aspecto, aunque el film sea totalmente ameno y entretenido, nos decepciona bastante al esperar algo más de la potencia a la que nos tenía acostumbrados.

Los actores aunque son correctos no destacan en absoluto, ni ellos ni los personajes, que son tratados con poca profundidad, en especial los secundarios, que demuestran de entrada una buena potencia pero que finalmente se pierde en el camino, actores como Areces, Barranco, Segura… hacen su aparición en pantalla dándonos sensación que nos lo vamos a pasar pipa con ellos, pero finalmente sólo son meros chistes ocasionales para la película. Por el contrario no es justo menospreciar, como se ha estado haciendo, el trabajo de actores como Casas o Silva, que aunque no destaquen en exceso hacen un trabajo correcto en sus respectivos papeles.

Tampoco parece que el director haya decidido tratar el filme con demasiado mimo, la película flojea bastante en montaje, que aunque se utiliza de un modo correcto, desvela excesivos saltos de raccord al no perfilar bien imagen y diálogos, y no es por querer buscar los tres pies al gato, es que realmente se nota demasiado.

De entre las cosas positivas del filme cabe destacar una banda sonora de altura, que mezclándose en unos créditos iniciales que repiten el formato de aquella maravilla que vimos en Balada triste de trompeta, consiguen un resultado más que notable. Al igual que el uso del CGI que supera con creces el aprobado, de hecho, en la parte final sorprende bastante al ser utilizados de un modo tan arrebatador rompiendo los esquemas más básicos del filme.


Entre los aciertos encontramos también la localización histórica que De la Iglesia ha escogido para su película, que aunque se mueva en el género fantástico bebe directamente de la historia de un lugar que en realidad se considera cuna de la brujería al menos peninsular. Zugarramurdi se presenta pues como un lugar que visitar, dónde esas cuevas que vemos el filme son de paso obligado.

En definitiva, la película de las brujas decepciona bastante por lo que se podría esperar, pero al final no deja de ser entretenida y bastante graciosa.

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TÍTULO ORIGINAL Las brujas de Zugarramurdi
AÑO 2013
DURACIÓN 112 min.
PAÍS España, Francia
IDIOMA Español, Euskera
DIRECCIÓN Álex de la Iglesia
GUIÓN Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
MÚSICA Joan Valent
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica
REPARTO Hugo Silva, Mario Casas, Jaime Ordóñez, Carmen Maura, Terele Pávez, Pepón Nieto, Secun de la Rosa, Carolina Bang, Carlos Areces, Gabriel Delgado, Macarena Gómez, Enrique Villén, María Barranco, Javier Botet, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Alexandra Jiménez, Javier Manrique
PRODUCTORA Enrique Cerezo P.C. / La Ferme! Productions
GÉNERO Comedia. Fantástico. Terror
TEMATICA Comedia de terror. Brujería. Robos & Atracos

SINOPSIS
Dos parados cometen un atraco y huyen perseguidos por la policía y por la ex mujer de uno de ellos (Macarena Gómez). Así, se adentran en los bosques impenetrables de Navarra y caen en las garras de una horda de mujeres enloquecidas que se alimentan de carne humana.

PREMIOS
2013: Premios Goya: 10 nominaciones
2013: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes (fuera de concurso)
2013: Festival de Toronto: 3er puesto premio del público

CRÍTICAS
+ "Álex de la Iglesia regresa a la inspiración de sus primeras películas de locura donde todo es posible, pero con un presupuesto más grande." (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

= "Un aquelarre sin ton ni son. (...) una película profundamente irregular, ciclotímica. A veces, genial; otras, simplemente ruidosa, y siempre desmembrada." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Los gags, los diálogos y las situaciones no tienen desperdicio, la gracia se funde con la espectacularidad (...) acabo saturado de tanta bruja (...) Pero sería injusto insistir en los defectos del desenlace." (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Un artefacto divertido y de gran éxito, lo cual es algo distinto de una gran película. (...) Arranca con brillantez (...) interminable y enloquecido aquelarre final." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

= "Aunque sus ocurrencias divierten, se acaba teniendo la impresión de que los clímax no son lo suyo [de Álex de la Iglesia], que los excesos devoran la letra pequeña de sus aciertos (...) la película no tarda en derramarse por los costados" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

= "De la Iglesia torrencial, capaz de contagiar al más escéptico el placer de contar cuentos a lo bestia. (...) Lástima que el conjunto sea desigual. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

= "Quedémonos con la entrega de sus intérpretes y la energía enloquecida de algunos pasajes memorables, pues su glorificación del exceso y su ausencia de filtro la convierten en un todo irregular que siempre es menor que la suma de sus partes" (Noel Ceballos: Fotogramas)


+ "De la Iglesia trabaja los referentes desde los créditos hasta los diálogos, que chispean como no recordábamos desde 'La comunidad' (...) La película más redonda del director. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)


PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 5,3
- Filmaffinity: 6
- IMDB: 6,3
* Media: 5,9

TRAILER

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miércoles, 8 de enero de 2014

SÓLO DIOS PERDONA


Aunque Nicolas Winding Refn ya desde sus primeras obras ha sido un cineasta de referencia y con carácter propio (aunque muchos intenten encasillarlo relacionando su obra con otros directores), no fue hasta que el año pasado que rompió la barrera de la distribución comercial llegando a un mayor público, un público que quedó extasiado con esa maravilla que fue Drive. Era evidente pues, que el estreno de su nueva película Sólo Dios perdona (Only God Forgives), iba a llamar a mucha gente a las salas.

En Bangkok se encuentran unos hermanos que dirigen un club de boxeo que en realidad es una tapadera para su negocio de tráfico de drogas. Uno de ellos, Billy, es asesinado tras matar a una prostituta, lo que hará que la madre de estos vuele de Estados Unidos hasta el país asiático a buscar venganza. Julian, el hermano menor, verá como su madre le presiona exigiendo la cabeza del asesino de su hermano.

En esta ocasión Winding Refn repite algunos de los elementos estéticos que pudimos ver en Drive pero llevados al punto artístico más extremo, el director danés no se corta un pelo a la hora de realizar las más bellas planificaciones convenientemente marcadas, donde la simetría juega un papel clave en todo momento y las imágenes crean una coreografía que se refuerza con el uso del color y las sombras. En ese sentido Refn ha creado una obra de arte que se hace obvia para todo aquel que sepa apreciarlo, y que sumándole la sintética música a la que empieza a acostumbrarnos presenta una película que se aleja de lo común, dejando sólo el recuerdo de otros cineastas de recursos similares (como por ejemplo Peter Greenaway) al inyectar un estilo que se hace propio.

El problema de tal uso de la estética es que al final queda sólo en eso, un panfleto bellamente dirigido pero que eclipsa por completo una historia que se anticipa de lo más interesante y que finalmente no se desarrolla hasta crear un resultado del todo satisfactorio. Hay en Sólo Dios perdona una serie de personajes de lo más interesantes, que  aunque interpretados con maestría -Kristin Scott Thomas hace un trabajo realmente imponente-, se explota poco su potencial, llegando incluso algunos a ser simplemente meras herramientas narrativas sin mucho que ofrecer como entes propios, buen ejemplo de ello es la bella prostituta interpretada por Rhatha Phongam que solo sirve como refuerzo catalizador para la que es la historia más interesante del filme, la relación entre el personaje de Kristin Scott y su hijo Julian, que da vida el ya fetiche Ryan Gosling.
Una historia que deja entrever la polémica relación materno-filial que mantienen ambos, y la única capaz de alterar la aparente pasividad del personaje de Gosling, esta vez totalmente sobre-interpretado. Es curioso que este eje tan importante en filme no sea del todo explotado durante la película, pero que en el clímax final alcance un simbolismo de lo más extremo, y sin duda, estupendamente dirigido. En resultado, las decisiones de Refn terminan dejando un regusto amargo, que no nos dejan decidir si lo que hemos visto es realmente una obra maestra o una broma.

Sin duda alguna Sólo Dios perdona tiene momentos realmente brillantes, aunque algunos no tanto, y en la mayor parte del metraje consigue helarnos la sangre y  que nos encojamos en la butaca creando malestar, así que a pesar de ese amargo resultado parece ser que la película tampoco está tan mal.

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TÍTULO ORIGINAL Only God Forgives
AÑO 2013
DURACIÓN 89 min.
PAÍS Dinamarca, Francia, Tailandia, Estados Unidos, Suecia
IDIOMA Inglés, Thai
DIRECCIÓN Nicolas Winding Refn
GUIÓN Nicolas Winding Refn
MÚSICA Cliff Martinez
FOTOGRAFÍA Larry Smith
REPARTO Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm, Rhatha Phongam, Gordon Brown, Tom Burke, Sahajak Boonthanakit, Pitchawat Petchayahon, Charlie Ruedpokanon, Kovit Wattanakul, Wannisa Peungpa, Byron Gibson
PRODUCTORA Gaumont / Wild Bunch / Film i Väst / Bold Films
GÉNERO Thriller. Drama
TEMÁTICA Mafia. Neo-noir. Crimen. Venganza. Boxeo

SINOPSIS
En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su tráfico de estupefacientes. Su madre, jefe de una amplia organización criminal, desembarca procedente de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy: el hermano de Julian ha sido asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Llena de odio y venganza, exige a Julian la cabeza de los asesinos. Julian deberán entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

PREMIOS
2013: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
2013: Festival de Sitges: Mejor fotografía
2013: Festival de Sidney: Mejor película

CRÍTICAS
- "Refn claramente piensa que está diciendo algo profundo con esta escoria con un exceso de producción, y estoy contento de dejar que se vaya con ese pensamiento" (Keith Uhlich: Time Out)

= "Aunque 'Only God Forgives' pueda ser acusada de superficialidad y de falta de complejidad psicológica, por el público objetivo, será un entretenimiento fresco y travieso" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

- "Una traición que ni los fans de 'Drive' estarán dispuestos a perdonar (...) Viendo a Gosling (...) uno puede prácticamente oír al director detrás de la cámara, exigiendo una toma tras otra, mientras grita:" Vamos a intentarlo de nuevo, sólo que esta vez, más impasible!'" (Peter Debruge: Variety)

- "La colisión de espasmos violentos y cine de autor tedioso deja el cerebro del espectador con sangre, pero vacío" (Richard Corliss: Time)

- "Faltan el clima, la tensión y el sentido (...) a fuerza de prescindir de historia, de coreografía y de diálogos, toda la cinta acaba por configurar el más autoindulgente homenaje a sí mismo que se podría hacer Winding Refn después de 'Drive'" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

- "Un fiasco indigerible de Winding Refn. (...) una película tan preocupada por la forma como hueca de contenido (...) Todo resulta confuso y gratuito" (Carlos Boyero: Diario El País)

- "Lo que debería ser sólo una historia de sangre y brutalidad, el director parece querer convertirla en metáfora absurda y pretenciosa, hasta el punto de que uno espera que en cualquier momento aparezca por un pasillo el enano de David Lynch" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

- "Agresivamente decepcionante (...) Una sucesión de sangrientos actos de venganza saturados de estilización y vacíos de significado. Un deslumbrante envoltorio y nada más" (Nando Salvá: Cinemanía)


+ "Una película de temática y desarrollo minimalistas, no apta para todas las sensibilidades (de hecho, es posible que para muy pocas), pero que alcanza cotas de verdadero virtuosismo sensorial en la mayoría de sus escenas (...) Un trabajo solemne, mayúsculo" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Tal vez la detestes, pero no podrás apartar la vista de la pantalla (...) Grotesco y kitsch, es el filme más subestimado de 2013 (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Yago García: Cinemanía)

- "Las pretensiones arty asfixian la presunta abstracción (...) Es una película de culto prefabricada, lo que signifca que es una mala película de culto" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "Puede que el film se deje llevar por un cierto exceso caricaturesco; sin embargo, su subyugante poderío visual y su heterodoxia narrativa la convierten en un interesante corolario de la obra de su director" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Es una película muy instintiva, casi primitiva, en tanto los personajes como las imágenes son guiadas por instintos básicos, por emociones profundas e inconscientes. [...] una reinvención fantástica de la tragedia clásica y de las mejores películas del año." (S.: Cineticamente)

+ " Parte de una historia perfecta que se basa más en lo no explicado que en lo contado [...] la experiencia visual y sensorial de ver Only God Forgives en una pantalla de cine es de las que cuesta de encontrar. [...] el cineasta danés nos ofrece una obra personal en la que me llama mucho la atención los encuadres simétricos, una auténtica delicia que hacen de cada fotograma una obra de intenciones artísticas." (David Amorós: The Highway Blog)

+ "Una nueva 'chaladura' de un tipo que no se aferra a lo establecido por la industria. Una propuesta diferente que se agradece y mucho." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: 5,5
- IMDB: 5,9
* Media: 5,8

TRAILER

 
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martes, 7 de enero de 2014

MIELE


Socialmente comprometida nos llega la opera prima de una directora cuyo nombre no debemos olvidar: Valeria Golino, con su Miele logró ser finalista de los premios LUX Europeos y su paso por festivales como el de Berlin o Cannes no pasó desapercibido, en su primer largometraje nos trae una propuesta atrevida que se lanza a tratar temas peliagudos desde una perspectiva distinta.

Irene, o conocida también por el nombre clave de Miele, tiene un trabajo nada agradecido, se dedica a asistir enfermos para ayudarlos a aliviar su dolor y sufrimiento a través de la eutanasia, un trabajo por supuesto fuera de cualquier marco legal. Ella es una persona solitaria y hermética, por lo que las relaciones con los demás son de lo más superficiales, hasta que conoce a un nuevo paciente que hará tambalear no solo sus ideales, si no a ella misma.

No es la primera vez que un tema tan delicado cono la eutanasia es tocado en cine, el éxito por ejemplo de la película de Amenábar, Mar adentro, conquistó al público gracias a su dramática y sentimental puesta en escena, pero la propuesta de Golino decide apartar el acercamiento fácil con el espectador y profundizar el tema de un modo más sobrio y socialmente verista, más allá de los artificios que el cine nos puede ofrecer, más cercano al Amour de Haneke.

La directora nos presenta en su película un debate que va más allá de cualquier posicionamiento frente al tema tratado, ella solo nos pone las cartas sobre la mesa para que los frentes se abran por si solos y dejando la reflexión sin cerrar. De echo utiliza el propio debate como eje para el devenir de las situaciones que vive la protagonista tras conocer a Grimaldi, el hombre que le hará plantearse no solo el trabajo que está haciendo, si no su propia vida. Un juego con los límites de la moralidad estupendo.

La directora italiana demuestra ser una realizadora con buena mano, que a pesar de ofrecer una película de escaso uso de la técnica, arriesga en algunos puntos del montaje atreviéndose con una planificación que de salir mal hubiese convertido el filme en un desastre, y en vez de eso lo que hace es reforzar la radiografía de su protagonista.

Esta claro que Miele es un filme que no hay que perderse, que lo que ofrece no lo presenta cualquier obra cinematográfica, pero existe un problema final en su planteamiento, y es la distancia que coge frente al espectador. La hermeticidad de Irene produce que no podamos llegar a empatizar con ella, y por lo tanto, a terminar de comprender sus sentimientos, aunque a su vez esa frialdad es necesaria para exponernos todo lo que el filme plantea. Lo que me lleva a pensar que quizás la decisión narrativa de la directora no ha sido la más adecuada para contarnos una historia de tal complejidad, que se articularía mejor a través de otras técnicas cinematográficas, me viene en mente por ejemplo la reciente La herida, que aunque el planteamiento sea otro, la presentación cinematográfica del personaje consigue, pese a su distanciamiento, una comprensión empática con nosotros.

De todos modos repito, Miele es una propuesta de lo más interesante, tanto como propuesta de debate social, como de carácter fílmico. Un buen trabajo que podríamos completar con el visionado de Bella durmiente (Bella addormentata), cinta italiana actual que también aborda el tema de la eutanasia. Parece que algo arde en Italia.

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TÍTULO ORIGINAL Miele
AÑO 2013
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Italia, Francia
IDIOMA Italiano, Español
DIRECCIÓN Valeria Golino
GUIÓN Valeria Golino, Francesca Marciano, Valia Santella (Novela: Mauro Covacich)
FOTOGRAFÍA Gergely Pohárnok
REPARTO Jasmine Trinca, Carlo Cecchi, Libero De Rienzo, Vinicio Marchioni, Barbara Ronchi, Roberto De Francesco, Valeria Bilello, Elena Callegari, Eastynn Chadwick
PRODUCTORA Buena Onda / Les Films des Tournelles
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Amistad. Eutanasia

SINOPSIS
Irene tiene 32 años, es una mujer como tantas otras, vive sola y tiene sus historias ocasionales. Hace tres años que decidió dedicar su vida a personas en busca de ayuda, asistiendo y aliviando el sufrimiento incluso cuando llevan a decisiones extremas; por eso su nombre en clave es "Miel". Pero un día ha de hacer cuentas con Grimaldi y su mal invisible...

PREMIOS
2013: Festival de Cannes: Sección oficial (Un Certain Regard)
2013: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio Discovery

CRÍTICAS
+ "Un debut como directora impresionantemente maduro de la actriz italiana Valeria Golino (...) que pone su experiencia en buen uso para sacar unas sofisticadas imágenes fugaces mostradas en pedazos por el director de fotografía Gergely Poharnok" (Deborah Young: The Hollywood)

+ "Una obra personalísima, madura, sincera en sus pretensiones y con un trabajo narrativo mucho más complejo de lo que aparenta. Una de las películas del año." (Dani Rodríguez: Cine Maldito)

+ "Miele cautiva por su originalidad narrativa, adaptación de la novela, Vi perdono, de Mauro Covacich, y sobre todo por una cámara que mima a su hipnótica protagonista, Jasmine Trinca" (Carlos Loureda: Fotogramas/Cine invisible)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,4
- Filmaffinity: 6,2
- IMDB: 6,6
* Media: 6,4

TRAILER
 

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