domingo, 28 de julio de 2013

I AM DIVINE


Si existe actualmente en Estados Unidos un realizador cuyo cine es seña de puro cine independiente, underground y de culto este es John Waters. El director de Baltimore consiguió su éxito poco a poco, gracias a su amor al cine y las ganas de contar sus propias historias, con sus ideas únicas y gamberras, suficiente para ir creando una cantera de admiradores dispuestos a engullir sus nuevos trabajos de estética camp. Pero Waters seguramente no hubiese conseguido llamar tanto la atención si no fuese por su musa principal, Divine, un hito que en su cuarto trabajo conjunto se convirtió en una bomba gracias al film Pink Flamingos. Divine y Waters fueros siempre inseparables amigos y el uno sin el otro jamás hubiesen conseguido el éxito que merecían.

I Am Divine, se centra en la figura de Divine para hacer una radiografía muy personal del artista, se nos conduce a través de una recolección de imágenes tanto personales como de sus trabajos, y entrevistas a las personas más cercanas a él (familia, amigos, compañeros de trabajo...), en un relato muy intimo que refleja la lucha de una persona que persigue no solo sus sueños, si no su lugar en el mundo.

Sin dejar de lado la estética que rodea el mundo de Divine, el realizador Jeffrey Schwarz monta un documental energético que hace justicia a su protagonista, en él, y de un modo cronológico conducido sobretodo por la producción de sus películas y su entrada al mundo de la canción, empezando con los pequeños pinitos cinematográficos en Baltimore junto a Walters en el mediometraje Eat Your Makeup, hasta su contratación en la exitosa serie Matrimonio con hijos, en la que finalmente no participó debido a su prematura muerte, pasando por los grandes éxitos que le llevaron al estrellato como Pink Flamingos o Hairspray, incluso otros sin trabajar al lado de John Waters como la western parodia Polvo de oro.

El metraje no solo se centra en la propia Divine, si no que nos acerca al grupo artístico (y técnico) de Waters: Dreamlanders, al propio realizador y a la cultura trash americana. Todo ello convierten esta película en un documento muy interesante, incluso en el más completo sobre la figura de Divine, pero se echa de menos una mayor incursión en la figura del director y de la importancia del movimiento de cine underground, algo que hubiese ayudado a dar más fuerza al personaje principal. De todos modos no podemos pedir tanto, ya que el metraje es solo un biopic del artísta y en ese sentido es bastante completo, interesante y como no, muy divertido.

La atrevida figura de Divine es una referencia esencial en la cultura que le rodea, además de una figura cinematográfica bastante importante, por eso es una lástima que a día de hoy pase desapercibida fuera de los círculos cinematográficos más curiosos, y metrajes que nos acerquen a ello son alabables de por sí. Divine fue una grotesca pionera para las Drag Queen, atrevida y única marcó tendencia en las generaciones venideras, además de demostrar ser un actor todo-terreno, consiguiendo ser creíble en papeles tanto femeninos como masculinos, algo de lo que pocos actores podrían presumir.

I Am Divine es una película interesante que ayuda a conocer una figura de buena importancia en el cine, del movimiento se nació a su alrededor y sobretodo, un relato personal estupendo.

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TÍTULO ORIGINAL I Am Divine
AÑO 2013
DURACIÓN 86 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Jeffrey Schwarz
MÚSICA Michael Cudahy
FOTOGRAFÍA John Chater, John Davis, Dan DeJesus, David A. Ford, Marsha Kahm, Cameron MacDonald, James Mulryan, Elle Schneider, Steven Wacks, Clay Westervelt
REPARTO Divine, John Waters, Ricki Lake, Tab Hunter, Bruce Vilanch, Mink Stole, Lisa Jane Persky, David DeCoteau, Edith Massey, Helen Hanft, Susan Lowe, Mary Vivian Pearce, David Lochary, Holly Woodlawn, Michael Musto, Jack Smith, Keith Glen Schubert, Greg Gorman, Alonso Duralde, Van Smith, Miss Guy, Tally Brown, Joan Agajanian Quinn, George Masters, Mark Payne, Fayette Hauser, Richard Koldewyn
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Documental sobre cine. Biográfico. Homosexualidad. Cine independiente USA


SINOPSIS
I Am Divine recrea la vida de Harris Glenn Milstead, alias Divine (1945-1988), musa absoluta del director John Waters, icono del cine underground, estrella musical y mito LGTB por excelencia.

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,3
- Filmaffinity: -
- IMDB: 7,9
* Media: 7,6

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sábado, 27 de julio de 2013

MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES


Arranca una vez más la Maratón de Cine Film Focus, un encuentro entre blogs que compartirán durante dos semanas artículos sobre cine y que todo el mundo podrá disfrutar. Descubrepelis una vez más se suma a la iniciativa abriendo hoy la maratón que durará hasta el 11 de agosto.

Kenneth Branagh es sobradamente conocido por sus películas basadas en grandes obras clásicas de la literatura de su tierra natal, centrándose sobretodo en las shakesperianas. Ha participado en muchas de ellas como actor, pero destaca especialmente en las suyas propias como director, todas ellas, por supuesto, contando siempre con desorbitados presupuestos dónde no sobra la épica y la grandilocuencia, incluso en las más pequeñas, como es Mucho ruido y pocas nueces.

Cogiendo una vez más una obra de William Shakespeare, Branagh nos conduce hacía la campiña siciliana dónde conocemos la familia del caballero Leonato y como recibe al príncipe Don Pedro de Aragón y su hermano Don Juan, acompañados de toda su comitiva que regresan tras una última victoria en combate. A partir de aquí se nos construye un relato de amores, odios, juegos, trampas y risas en una película de enredos.

El director se centra en la obra de Shakespeare y la transporta a la pantalla siendo lo más fiel posible a esta, la puesta en escena y los diálogos son tal cómo el libreto marca, llevando a pantalla una obra de teatro. De entrada, querer hacer la película lo más fiel posible al relato puede ser una buena idea por no mancillar el texto de tan importante autor, pero es esa propia fidelidad la que hacen que la película no sea tan atrayente como debería. De entrada, poner en pantalla una puesta en escena teatral puede dar buen resultado en un film experimental que busque precisamente jugar con los limites de este, o por contra siento una puesta en escena 100% teatral con las limitaciones que el escenario ofrece (especialmente en los territoriales). Pero Branagh lo mezcla con una realización cinematográfica consiguiendo un resultado algo pobre. A ello debemos sumarle unos diálogos escritos el año 1600, que siendo fiel a ellos se consigue una película algo ardua de seguir, sobretodo para los espectadores de habla no inglesa que pueden perderse en los subtítulos (descarto totalmente la idea del doblaje).

Dejando de lado esa problemática, la cinta, que cuenta con un reparto coral de primera linea, Emma Thompson, Kenneth Branagh, Robert Sean Leonard, Kate Beckinsale, Michael Keaton, Denzel Washington, Keanu Reeves, Richard Briers, Phyllida Law, Imelda Staunton... por citar algunos, se conforma como una de esas películas que destilan positivismo y buen rollo por doquier, una película que levanta el ánimo a cualquiera gracias al buen rollo de los actores y de un relato alegre como ninguno. De este modo Branagh elige uno de los relatos más entrañables del escritor inglés para realizar una de sus más pequeñas películas, que se convierte en un caramelo para él, sus actores y los espectadores.

No mucho más se puede decir de un filme así, entretenido, para pasar un rato agradable, y sonreír un poco.

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TÍTULO ORIGINAL Much Ado About Nothing
AÑO 1993
DURACIÓN 110 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Kenneth Branagh
GUIÓN Kenneth Branagh (Teatro: William Shakespeare)
MÚSICA Patrick Doyle
FOTOGRAFÍA Roger Lanser
REPARTO Emma Thompson, Kenneth Branagh, Robert Sean Leonard, Kate Beckinsale, Michael Keaton, Denzel Washington, Keanu Reeves, Richard Briers, Phyllida Law, Imelda Staunton, Brian Blessed, Gerard Horan, Richard Clifford, Jimmy Yuill, Ben Elton, Alex Lowe, Patrick Doyle
PRODUCTORA Samuel Goldwyn Company
GÉNERO Comedia. Romance
TEMÁTICA Comedia romántica. Siglo XVII. Shakespeare

SINOPSIS
Adaptación de una comedia de Shakespeare. El Príncipe Don Pedro de Aragón (Denzel Washington) regresa victorioso de una batalla acompañado de su hermano bastardo Don Juan (Keanu Reeves), de Benedicto (Kenneth Branagh) y de Claudio (Robert Sean Leonard), un joven florentino que ha sido colmado de honores por el gran valor mostrado en el campo de batalla. Son recibidos con gran regocijo por el caballero Leonato, que vive con su hija Hero (Beckinsale) y su sobrina Beatriz (Emma Thompson) en una paradisíaca villa de la campiña siciliana (Mesina). En el siglo XV, Sicilia formaba parte de la Corona de Aragón.

PREMIOS
1993: Globos de Oro: Nominada a Mejor película comedia/musical
1993: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1993: Nominada Premios BAFTA: Mejor diseño de vestuario
1993: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película y actriz (Thompson)
1993: Premios Razzie: Nominada al Peor actor de reparto (Reeves)

CRÍTICAS
+ "Notable adaptación de Shakespeare, que explota las posibilidades cinematográficas del texto. Historia de amores cruzados e incomprendidos, de traiciones y lealtades, de risas y lágrimas, de poesía y encanto" (Omar Khan: Diario El País)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: 7
- IMDB: 7,3
* Media: 6,8

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domingo, 21 de julio de 2013

MIENTRAS DUERMES


Jaume Balagueró, junto a su inseparable Paco Plaza, co-directores de la saga [•REC], son una clara referencia del cine de terror español de hoy, sus películas son de las más taquilleras del país incluso fuera del género. Saben como hacer productos rentables y además disfrutar con ellos, y así lo saben ver en Hollywood, donde han comprado los derechos de varios de sus filmes. Aunque podemos hablar de un sello identitario en sus películas, no lo sería como referente de cine de nuestro país, ya que tanto por el estilo y argumento no dejan de ser filmes de claro referente americano, un producto más para el consumo a pesar de que se permitan sus pequeñas señas personales, aunque más simpáticas que artísticas. Hoy os traigo uno de los filmes que Balagueró tiene en solitario, Mientras duermes, exitosa película tanto en taquilla como en los premios nacionales contando con un Goya por la actuación de Tosar y hasta seis premios de la academia de cine catalana.

Mientras duermes, nos lleva hasta uno de los edificios del barrio de l’Eixample de Barcelona. Allí, César, un simpático portero, trabaja ayudando a los vecinos en todo lo que puede incluso fuera de sus obligaciones, o eso es lo que los habitantes de la casa creen, ya que en realidad César es una persona obsesiva que disfruta acechando en la oscuridad, causando daño a escondidas y haciendo infeliz a la gente del edificio. Al parecer esa es su única razón de ser.

Gracias al texto de Alberto Marini, que originalmente debía situar la acción en Nueva York, Balagueró construye una película que nos recuerda al estilo de ‘la trilogía de las casas’ de Roman Polanski (especialmente Lasemilla del diablo), dónde trabaja dotándola de momentos de gran tensión consiguiendo así un trabajo excelente en ese campo. A pesar de la comparación, Mientras duermes regala la sensación tensa de divertimento que busca el gran público, pero se ve algo forzada en el ámbito psicológico de sus personajes, factor que le separa totalmente del trabajo de Polanski, el problema no reside en el texto, si no más bien en que el realizador catalán no ha sabido transmitir del todo el contenido de este. Tosar, que hace todos sus esfuerzos en interpretar al obsesivo César, no es suficiente para ayudarnos a entender las motivaciones de un personaje sumamente interesante, Balagueró no profundiza realmente en la cabeza del portero y se centra solo en mostrarnos aspectos cotidianos de la vida de este esperando que sean suficientes para explicarnos que tiene en su cabeza, contrariamente a lo buscado todo ello no hace más que empeorar el retrato de este, mostrándonos claramente que nos faltan muchas piezas para el rompecabezas.

Es por eso, que la mejor baza de la película es el juego con la tensión que produce el relato, y sobretodo lo que consigue hacer con el espectador que en ciertos momentos se siente atraído por el antagonista convirtiéndose en cómplice de sus maldades. Es en esos momentos en el que la película cobra fuerza y alcanza cuotas mucho más interesantes.

No es la primera vez que Balagueró nos cuenta algo así, si bien podemos ver que no es la primera vez que nos acerca al terror y la locura en el barrio del Eixample barcelonés, existe especialmente una película anterior que guarda mucha relación con esta película, Para entrar a vivir, película que forma parte del pack de la serie de metrajes para televisión de Películas para no dormir. El filme nos relata una situación casi idéntica, sólo cambia al portero por una casera (excelente interpretación de Macarena Gómez) y a los inquilinos por una pareja que busca un hogar dónde asentarse. La única diferencia es que en Para entrar a vivir no se intenta buscar complejidad en el personaje malvado (ni se crea una empatía con él), diferenciándose del que si se intenta buscar en Mientras duermes y no se consigue encontrar. Es por eso mismo que la anterior película es mucho más disfrutable, ya que no se pierde en intentos frustrados hacía el espectador, sólo quiere entretener y lo hace.

Si bien, puntos negativos no le faltan, Mientras duermes es uno de los trabajos más maduros del realizador, y el resultado es lo bastante correcto como para interesarse por él. La película es muy entretenida y el juego que crea con el espectador es estupendo, así que su visionado se puede justificar con facilidad. Si lo que buscáis es un filme entretenido y asfixiante, es una buena elección.
 

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TÍTULO ORIGINAL Mientras duermes
AÑO 2011
DURACIÓN 107 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECCIÓN Jaume Balagueró
GUIÓN Alberto Marini
MÚSICA Lucas Vidal
FOTOGRAFÍA Pablo Rosso
REPARTO Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida, Tony Corvillo
PRODUCTORA Filmax
GÉNERO Thriller. Terror
TEMÁTICA Thriller psicológico


SINOPSIS
César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión. 

PREMIOS
2011: Premios Goya: Nominada a mejor actor (Luis Tosar)
2011: 6 Premios Gaudí: incluyendo película de lengua no catalana y director


CRÍTICAS
+ "Un espeluznante drama de acoso a lo neo-Hitchcock, impregnada de giros inquietantes y una intensidad de combustión lenta. Compruébelo ud. mismo. Y, luego, mire debajo de su cama (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Simon Crook: Empire)

+ "Un delicioso filme que huele a Polanski y que respira horror casi sin pretenderlo" (Toni García: Diario El País)

+ "Magnífica película de intriga (...) consigue enlazar dos elementos que se repelen: por un lado, la descripción de alguien mezquino, depravado e inhumano, y por otro, que el espectador sea en cierto modo su cómplice" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Balagueró cuenta esta inquietante historia con poderío visual, sin golpes de efecto, con un tono y una atmósfera que me remiten al mejor Polanski. (...) Tosar está perfecto, sutil, provoca terror" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Profundamente atractiva y aterradora, pero, más que terror, lo que la película genera es inquietud, una inquietud constante, cortante, que pone de los nervios (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "La cinta crece y se transforma, apoyada en un siempre magnífico Tosar, en un elogio de la crueldad como una de las bellas artes" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "El actor y el director han compuesto un personaje perfecto para expresar un sentido de lo perverso. Balagueró mantiene un terror frío y atonal (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)

+ "A Balagueró le ha dado por el suspense puro y el tempo reposado y le ha quedado un thriller grande en su sencillez" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)


PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: 7
- IMDB: 7,1
* Media: 6,7

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viernes, 19 de julio de 2013

DE ÓXIDO Y HUESO




Después de consolidar su nombre con Un profeta, Jacques Audiard, conocido también por otras obras como De latir mi corazón se ha parado o Lee mis labios, cambia totalmente de registro argumental ofreciéndonos una historia totalmente distinta a lo que nos tenía acostumbrados ya que se zambulle de lleno en el mundo del melodrama, pero con enlaces en ideas y estilo que no la separan en absoluto del resto de su filmografía. En ese sentido sigue aprovechando los puntos fuertes del movimiento francés Nouvelles images caracterizado por un ritmo capaz de desbordarnos y la estética propia del videoclip, que el director transforma dotando a sus cintas de un carácter intimista, extraño de ver en las producciones inscritas dentro de ese movimiento.

Alí es un exboxeador que debe hacerse cargo de su hijo, un niño de corta edad con el que poco tiene en común. Al no tener dinero para subsistir recurre a su hermana a la que hace tiempo que no ve y que esta acoge en su hogar en Antibes. Después de conseguir su primer trabajo como portero de discoteca, Alí conoce a Stéphanie, una domadora de orcas que trabaja en Marineland.

Sorprende especialmente como, con una historia tan trillada, Audiard consigue crear una película seria y creíble, que dentro del género melodramático, no cae en ningún momento en lo absurdo ni tampoco en el intento lacrimógeno -que suele producir más jocosidad que empatía- de producciones que se atreven con este tipo de historias. Con un argumento así, De oxido y hueso nos recuerda a  la ya mítica Garras humanas de Tod Browning, (semilla además de la excelente Freaks), con la que tiene muchos puntos en común.

La película es directa, echa mano de las escenas más duras y crudas dejándonos el corazón compungido, utiliza un ultrarrealismo que no hace más que meternos de lleno en el drama de la historia, un ultrarrealismo que, a pesar de la paradoja, se refuerza con unos efectos especiales alucinantes –aunque en realidad sean discretos-, utilizados para hacer desaparecer las piernas de la protagonista. Hay que decir también, que la mezcla de esos efectos con el uso de actores conocidos, Cotillar en este caso, causa un pequeño despiste en el espectador, el cuál quizás intentará encontrar la trampa e intentará saber como se están ocultando esas piernas, desviándolo así un rato de la historia, por suerte, el interés argumental logra encauzar pronto ese pequeño problema.

Matthias Schoenaerts y Marion Cotillard hacen pues un trabajo en pantalla sobrecogedor, se hacen suyos unos personajes complejos y llenos de aristas, ambos afectados por la invalidez, aunque distinta en cada uno (física en el caso de Cotillard, emocional en Schoenaerts) afecta de igual modo en la psique de ambos. Condicionados entonces por un dolor que se convierte en parte imprescindible de ellos, cuándo está presente les confunde y les imposibilita, ella no puede andar, no puede seguir con su trabajo, disfrutar del baile como antes; en él la incapacidad se centra en no saber dar afecto, no saber amar, algo que causa problemas a la hora de educar a su hijo, de dar las gracias a su hermana, crear una empatía con aquellos similares a él. Pero cuándo el dolor no está presente lo buscan, necesitan encontrarlo, el dolor les recuerda que están vivos, les hace sentir y ser alguien, el sexo es un enlace al sufrimiento y es por eso que se consuma siempre de un modo sucio y frío; Alí se centra en el boxeo, allí encuentra un rincón para la felicidad, puede ser él mismo, no hay deporte más explicito para el dolor, Stéphanie huye de la calma buscándole a él, sólo sabe convivir con su dolor al combinarlo con el de Alí, gracias a él aprende a sobrellevarlo y hacerlo suyo, sus piernas, visualización explicita del sufrimiento que recae en ella, se hacen más visibles, las tatua, las convierte en su seña de identidad.

Luego está el mar, la liberación, el campo dónde se sienten libres e independientes, en el filme el agua es un personaje más, quieto y calmado, cuándo están en la playa es el momento en el que las preocupaciones desaparecen, aunque este sea también culpable o colaborador en los problemas que se les presentan. Cuándo ella tiene el accidente, el agua está presente, como si todo fuese un plan elaborado, cosa que se repite al final del filme, cuándo la desgracia vuelve a recaer. El mar parece que sepa que los protagonistas necesiten del dolor para seguir adelante, que este sea el único modo de encauzar sus caminos, y no evita que estos lo encuentren.

A pesar de estar inscrita en un ambiente pesimista, el filme no abandona el positivismo, eso si, sin ser nada explicito, aunque la pena sea la seña principal a lo largo de toda la historia ambos encuentran motivos en los que centrarse y conseguir evadirse, aunque finalmente sean estos otro acercamiento al dolor que siempre les persigue. La miseria es parte implícita en la vida y deciden no evitarla, si no convivir con ella.

Audiard crea un filme detallista que al terminar deja un poso importante en el espectador, y que hasta pasados unos días no olvidaremos. De oxido y hueso es una buena película y os la recomiendo.

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TÍTULO ORIGINAL De rouille et d'os (Rust & Bone)
AÑO 2012
DURACIÓN 120 min.
PAÍS Francia, Bélgica
IDIOMA Francés, Inglés
DIRECCIÓN Jacques Audiard
GUIÓN Jacques Audiard, Thomas Bidegain (Novela: Craig Davidson)
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Stéphane Fontaine
REPARTO Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette, Bouli Lanners, Alex Martin, Corinne Masiero, Tibo Vandenborre
PRODUCTORA France 2 Cinéma / Les Films du Fleuve / Page 114
GÉNERO Romance. Drama
TEMÁTICA Drama romántico. Discapacidad. Melodrama. Boxeo

SINOPSIS
De repente, Alí tiene que hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de cinco años al que apenas conoce. Como no tiene casa, ni dinero, ni amigos, se refugia en Antibes, en casa de su hermana, que los acoge cariñosamente. Tras conseguir trabajo como portero en una discoteca, Alí conoce a Stéphanie, una domadora de orcas en el acuario Marineland. 

PREMIOS
2012: 4 Premios César, incluyendo mejor guion adaptado. 9 nominaciones
2012: Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor película de habla no inglesa y actriz (Cotillard)
2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes
2012: Critics Choice Awards: 2 nominaciones
2012: Premios BAFTA: 2 nominaciones, incluyendo mejor actriz
2012: Seminci: Mejor dirección, Mejor actor (Schoenaerts), Mejor guión
2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2012: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea
 
CRÍTICAS
+ "Una tierna aunque fuertemente desromantizada historia de amor (...) 'Rust and Bone' presenta un impresionante, aunque un tanto pretencioso, ejercicio de contrastes" (Peter Debruge: Variety)

= "Si contratases a Albert Camus para escribir 'Rocky' podría salir algo como 'Rust and Bone', un esfuerzo quintaesencialmente francés para combinar pugilismo y sentimentalismo (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Kyle Smith: New York Post)

= "No es una obra maestra, pero la sigues con atención y desasosiego, nunca sabes lo que va a ocurrir, deja cierto poso." (Carlos Boyero: Diario El País)

= "La primera hora de la película resulta sencillamente magnética (...) Lástima que Audiard no se atreva a la tentación del precipicio y prefiera antes la seguridad de un desenlace demasiado extraño, cómodo, quizá torpe" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

       
- "La primera parte es impecable (...) naufraga en su segunda mitad (...) Audiard se deja llevar por las estrategias del melodrama barato. (...) en sus peores momentos se acerca a la poética de un Iñárritu en baja forma" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Está filmada esta terrible y tierna historia muy desde dentro, (...) sin mostrar ni buscar compasiones. (...) el trabajo de la pareja protagonista, Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts, está muy próximo a lo grande." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una película compleja, densa y casi siempre absorbente (...) 'De latir mi corazón se ha parado' o 'Un profeta' impresionaban, avasallaban. Esta última, además, conmueve profundamente." (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Una historia de amor sin romance que emociona gradualmente (...) se queda agarrada al pensamiento aún después de abandonar la sala de cine. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)


- "Un tour de force dramático telegrafado a golpe de cliché. (...) más allá de su académica factura, la película acaba perdida entre un romanticismo tosco y un inquietante moralismo (de culpas y redenciones), que crece a medida que avanza la acción y que remite a los universos de Alejandro González Iñárritu y Paul Haggis" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,6
- Filmaffinity: 7
- IMDB: 7,5
* Media: 7,4

TRAILER


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