jueves, 28 de febrero de 2013

WEEKEND




Existen muchas películas que por desgracia pertenecen al denominado grupo de cine invisible, es decir, todas aquellas producciones que no consiguen (o no buscan) una oportunidad para su distribución en salas comerciales. Generalmente son películas independientes, de arte y ensayo, películas arriesgadas que se adentran en temas que cuestionan la actualidad, un cine que nos acerca a debates intocables y cuentan con una mayor libertad artística que cualquier producción de un gran estudio. Por suerte, este tipo de cine cada vez tiene más repercusión en muchos festivales que buscan precisamente acercarnos a ellas, dónde pueden conseguir además llamar la atención de algún pequeño distribuidor más atrevido que compre los derechos para su venta orientada al mercado doméstico e incluso, en contadas ocasiones, a la propia exhibición en cines. Además, gracias a Internet cada vez es más común que el público pueda acercarse a estas obras, ya sea por las webs de visión por pago que suelen ser más atrevidas a la hora de seleccionar sus filmes, a la autodistribución de la propia película, o a la tan perseguida piratería, que dicen, tanto daño hace a la industria, pero que, como es evidente, da la oportunidad de convertir pequeñas películas, en grandes filmes que incluso logran el estatus de cintas de culto.

Buen ejemplo de ello es el filme que hoy ocupa esta pantalla, una película que pudo verse en nuestro país gracias, por ejemplo, al Festival de Cinema d’Autor de Barcelona y que ha ganado un buen número de premios en otros tantos festivales internacionales. Una película que ejemplifica muy bien el funcionamiento del boca a oreja, y que gracias a la gran herramienta que es Internet, ha logrado no solo acercarse a ese estatus de culto gracias a su temática y estilo, si no que ahora puede verse en los cines españoles. Pero atención, este tipo de películas, una vez han logrado hacerse un hueco en la cartelera entre los filmes de Hollywood y las obras de directores sobradamente reputados, no suelen tener un trato demasiado preferente a la hora de exhibirse en muchos cines o permanecer demasiado tiempo en cartel, así que sólo podrá verse en cines de grandes ciudades y, aunque espero equivocarme, durante pocas semanas, es por eso que es mejor no dejar pasar mucho tiempo e ir lo antes posible al cine más cercano para disfrutar de Weekend.

Un viernes por la noche, Russell visita un club nocturno en soledad tras despedirse de sus amigos en una fiesta, está sólo por qué es el único de ellos homosexual y siente la necesidad de sentirse arropado en un circulo dónde pueda ser él mismo, sin esconder su identidad. Allí conoce a Glen, con quien pasará la noche en su piso alquilado. A partir de ahí empieza una relación entre los dos, una relación que durará sólo un fin de semana, pues Glen, debe partir pronto de la ciudad.

Weekend es una pequeña gran película que pertenece a esas historias romanticas que tantas veces se nos han contado, pero que gracias a su otro punto de vista entra en un selecto grupo de películas que destacan sobre todas las demás. El segundo metraje del inglés Andrew Haigh, que no abandona la temática homosexual de su primer trabajo, Greek Pete, nos introduce en la historia de amor entre dos desconocidos que se topan el uno con el otro de un modo totalmente casual y, que juntos, pueden liberarse de toda atadura, gracias a no contar con acondicionadores que les limiten y explorar así sus propias ideas mostrando su personalidad abiertamente el uno con el otro, un ejercicio que incluye parte de autoconocimiento. La presión temporal que sufren, ya que sólo podrán estar juntos un fin de semana, les ayuda a conseguir ese desnudo emocional que el filme sabe transmitir con tanta sinceridad en unos actos de entrega absoluta y sin miedo ni temores.

Un filme intimo que nos hace sentir como boyers mirando a través de una ventana, escudriñando en la intensidad de unos diálogos desinhibidos y personales, que nos hacen sentir participes completos de la relación, desde el principió hasta su desenlace. Una obra que nos habla de las dificultades de complementarse, de la tristeza causada por la soledad, del auto-aislamiento y de no poder ser aquello que sé es.

Hasta aquí poco nos importa la sexualidad de los dos chicos protagonistas, cualquier espectador podría sentirse identificado con ellos al igual que lo puede conseguir con otras parejas fílmicas similares (Ethan Hawke y Julie Delpy en Antes de amanecer; por citar un ejemplo), así tenemos una fabulosa obra que retrata la posibilidad de encontrar el amor, aunque este sea en el momento no adecuado, y eso es lo que más interesante hace a este filme, esa capacidad de convertir la intima historia de dos chicos en una historia de lo más universal. Pero es evidente que la característica más llamativas de los protagonistas (su homosexualidad) juega un importante papel en el metraje y que se puede analizar en varios aspectos. Por un lado, ese juego de identidad pública e identidad privada a la que se ven sometidas muchas personas que viven en una sociedad esquemáticamente construida, y que tan bien nos muestra Weekend, algo que no sólo conocemos por sus imágenes ni los momentos vividos, sino que lo refuerzan esos diálogos limpios que tanto sinceran a sus protagonistas. Por otro lado, la película, no quiere trasladarse a los esquemas románticos tan característicos del cine americano que crean un mundo fuera de toda realidad, Haigh no obvia aspectos que pueden envolver a la sociedad, y aunque fuera de campo y sin mantenerse en ello, algo totalmente acertado, no tiene miedo en cincelar temas que dotan de veracidad al filme como puede ser la homofobia y haciendo así hincapié en que lo privado no se ve exento de lo político, de este modo condiciona también a la pareja posicionándolos en la relación.

Más allá de su contenido sólo quedan alabar sus aspectos técnicos que demuestran, una vez más, como con poco presupuestos se pueden conseguir cintas maravillosas. Una melancólica e intimista banda sonora de James Edward Barker que juega con los tonos emocionales de la historia, mismo efecto que consigue Urszula Pontikos con su fotografía de tonos fríos y localizaciones que logran similitudes con los esquemas sociales sin necesidad de dar más explicaciones.

Señor@s, no hay que perderse esta inteligente, intensa y tierna película ahora que ha logrado hacerse un hueco en las salas de cine (parecía que ese retraso tras retraso en aparecer en cartel no terminaría nunca). Tras verla varias veces y sintiéndome cada vez más atraído por su luz, yo no voy a dejar pasar la oportunidad de degustarla una vez más, esta vez en pantalla grande.

Weekend se estrena el 1 de marzo en cines.


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TÍTULO ORIGINAL Weekend
AÑO 2011
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Reino Unido

IDIOMA Inglés
DIRECTOR Andrew Haigh
GUIÓN Andrew Haigh
MÚSICA James Edward Barker
FOTOGRAFÍA Urszula Pontikos
REPARTO Tom Cullen, Chris New, Jonathan Race, Laura Freeman, Loreto Murray, Jonathan Wright, Sarah Churm, Vauxhall Jermaine, Joe Doherty, Kieran Hardcastle, Julius Metson Scott, Martin Arrowsmith
PRODUCTORA Glendale Picture Company
GÉNERO Romance. Drama
TEMÁTICA Homosexualidad. Drama romántico


SINOPSIS
Un viernes noche, tras una fiesta en casa con sus amigos heteros, Russell visita un club gay donde a última hora conoce a Glen. Ambos comienzan entonces una relación de fin de semana, pero lo que parecía que iba a ser el rollo de una noche comienza a tener la intensidad de un shock emocional de largo alcance.

PREMIOS
2011: British Independent Film Awards: Mejor promesa (Tom Cullen), Mejor producción.
2011: L.A. Outfest: Gran premio del jurado
2011: London Film Festival: 2 Nominaciones; Director, actor (Tom Cullen)
2012: Circulo de críticos de Londres: Mejor director independiente, Nominada a actor britanico del año (Tom Cullen)
2012: Rotterdam International Film Festival: Premio MovieZone


CRÍTICAS
+ "Un trabajo perfecto. Una emotiva, actual e intensa exploración de sexo, intimidad y amor." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Un filme de una inmediatez casi documental y un logrado realismo sucio (...) a Haigh le basta la mirada de sus actores para extraer estallidos de verdad y gran cine de este romance de fin de semana" (David Bernal: Cinemanía)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,8
- Filmaffinity: 7,2
- IMDB: 7,4
* Media: 7,5

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viernes, 22 de febrero de 2013

LINCOLN


Steven Spilberg vuelve a la carga con otra de sus grandes producciones y una vez más los espectadores nos acercamos con recelo a ver que nos trae con su nuevo filme, más por las nominaciones que ha cosechado aquí y allá que no por estar firmada por él mismo, todos sabemos que el director de E.T., el extraterrestre, El color púrpura o Tiburón, hace siglos que desapareció y no nos va a poder sorprender nunca más (o no).

La guerra civil americana va acercándose a su fin bajo el mandato del presidente Abraham Lincoln, mientras tanto este propone una enmienda de ley para abolir por fin la esclavitud en su país. Pero existe un problema, si la guerra termina antes del debate sobre de la enmienda está no será aprobada, si Lincoln decide apostar por el pleno derecho a la libertad de los ciudadanos muchas personas seguirán muriendo en el frente de batalla. Spilberg nos relata así la mayor lucha de conciencia del presidente de los estados americanos.

Ya que el director de Ohio no dejó el listón demasiado alto con su anterior trabajo, la lacrimógena Caballo de batalla, era fácil superarse a si mismo en esta ocasión así que el merito no va a ir por ese lado. Me puedo centrar pues en lo verdaderamente interesante del filme, que más allá de ser un biopic, al fin y al cabo se centra en una muy pequeña porción de tiempo de la vida del presidente, es una especie de thriller político sin llegar a serlo, y dejando de lado su primera cara podemos descubrir una película dónde ni los buenos son tan buenos, ni los malos tan malos, bueno, los malos siempre serán los malos. Una muy pequeña radiografía que nos muestra como la corrupción y la falsa moral forma parte de la política (por desgracia) desde tiempos inmemorables, y digo pequeña porqué es una lástima que Spilberg se quede corto en ese concepto y no decida lanzarse de cabeza a la piscina, algo que hubiese convertido el filme en algo mucho más mayúsculo. En cambio es tremendamente benevolente con la figura de Lincoln, aunque hay que reconocer que el personaje esta tremendamente bien ligado en el guión.

Pero no podemos hablar del personaje sin dar el mayor de los méritos a Daniel Day-Lewis, única oportunidad de premio en los Oscar para el filme aunque la competencia sea realmente dura. Day-Lewis consigue, una vez más, una interpretación única haciéndose suyo al personaje y sabe mostrarnos todos los tonos emocionales del presidente durante los más problemáticos días de su mandato, algo que además refuerza muy bien Janusz Kaminski con una perfecta fotografía que se adecua muy bien a las emociones de Lincoln y a todas las localizaciones del filme.

A pesar de su larga duración debo reconocer que la película decae en pocas ocasiones, aunque cuando lo hace la pesadumbre puede ser casi mortífera, y por ello no se hace especialmente pesada en conjunto, si bien es cierto que su farragoso contenido consigue que, al despistarnos durante un segundo, dejemos de entender de que narices están hablando esos personajes con barba. Por otro lado, John Williams, escribe una banda sonora épica tan cansina como agotadora que nos hace preguntar: ¿Qué narices le pasa a este hombre?

Si bien no es ni será la gran película del año, y me pregunto que narices les pasa a los académicos que nominan casi por defecto a Spilberg cada vez que realiza alguna cosa, para rara vez galardonarlo, y más con un filme tan menor como este, pero claro, la patria es la patria y seguramente no podremos encontrar ningúna película con tanta barra y estrella como esta en todo 2012, finalmente se digiere con facilidad, aunque al cabo de unos días se nos olvide por completo.


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TÍTULO ORIGINAL Lincoln
AÑO 2012
DURACIÓN 149 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Steven Spielberg
GUIÓN Tony Kushner (Libro: Doris Kearns Goodwin)
MÚSICA John Williams
FOTOGRAFÍA Janusz Kaminski
REPARTO Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Lee Pace, Gulliver McGrath, Hal Holbrook, Michael Stuhlbarg, Jared Harris, David Costabile, Jackie Earle Haley, Joseph Cross, John Hawkes, Tim Blake Nelson, Peter McRobbie, Jeremy Strong, Gloria Reuben, Walton Goggins, Bruce McGill, David Oyelowo, Lukas Haas, Dakin Matthews
PRODUCTORA 20th Century Fox / DreamWorks SKG / Amblin Entertainment / Imagine Entertainment / The Kennedy/Marshall Company / Participant Media / Reliance Entertainment / Office Seekers Productions / Parkes/MacDonald Productions
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Hisórico. Biográfico. Política. Siglo XIX. Guerra de Secesión. Esclavitud

SINOPSIS
En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

PREMIOS
2012: Oscar: 12 nominaciones, incluyendo Mejor película, director y actor (Day-Lewis)
2012: Globos de Oro: Mejor actor dramático (Daniel Day-Lewis). 7 nominaciones
2012: Critics Choice Awards: Mejor actor (Lewis), guión adaptado, BSO. 13 nomin.
2012: Premios BAFTA: Mejor actor (Daniel Day-Lewis). 10 nominaciones
2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Day-Lewis), actriz sec. (Field) y guión
2012: Satellite Awards: Mejor dirección artística. 8 nominaciones
2012: National Board of Review (NBR): 10 mejores películas del año
2012: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año
2012: Directors Guild of America (DGA): Nominada a Mejor director

CRÍTICAS
+ "Un eficaz aunque desigual retrato de un político astuto. (...) su potente reparto y su textura política siempre se las arreglan para volver a animar las cosas. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Katey Rich: The Guardian)

+ "Aunque seguramente los historiadores encontrarán motivos para discutir por nimiedades, cada elección que realiza Day-Lewis presta dignidad y gravedad a la figura más reverenciada de América" (Peter Debruge: Variety)

+ "Una épica brillante y alborotada (...) Kushner y Day-Lewis (...) se atreven con grandeza a darnos este retrato complejo y conflictivo de un gran líder americano. (...) Una gran película americana (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "La película es grandiosa e inmersiva. (...) nos hace sentirnos transportados como por una máquina del tiempo (...) El Lincoln que vemos aquí es esa extraña clase de criatura cinematográfica, un pensador heroico" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

+ "Una absorbente, densa y en ocasiones divertida narración del magistral esfuerzo del presidente número 16 para manipular el paso a la Decimotercera Enmienda" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Pocas veces una película ha puesto tanta atención a los detalles de la política. (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

= "A ratos farragosa, a ratos magistral. (...) Es una película insólita, estilizada, poderosa y finalmente conmovedora." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Spielberg XXL. (...) ¿Intuían una gota de ñoñería 'post-disney' en 'Lincoln'? Pues de eso nada. La película funciona como un reloj desde el guión hasta el último secundario."
(Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Spielberg desactiva los a priori más acomodaticios, las leyendas convertidas en Historia, para hacer un examen de lo que sucedió. (...) sin duda el mejor y más extenso reparto como conjunto de una película en muchísimo tiempo. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemanía)

= "Ejercicio de estilo tan sobrio que le cuesta respirar, 'Lincoln' es demasiado autoconsciente de su propia magnitud, (...) una evidente obra de madurez, pero sus ansias de solemnidad reprimen una pulsión" (Noel Ceballos: Fotogramas)

= "Una película rigurosa que muestra pronto sus mejores armas, una dirección clásica, casi impecable, aunque técnica y narrativamente pocas sorpresas (...) extraordinarias interpretaciones" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Un magnífico trabajo de arquitectura para enaltecer la escultura (...) El efecto es asombroso: [Spielberg] te cuenta lo mayúsculo con lo diminuto (...) Es inenarrable la capacidad de Day Lewis para darle trascendencia a cada gesto (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Spielberg llena de sentido esta historia compleja con la música emocional de sus imágenes. A pesar de la enrevesada trama y del exceso de palabras, 'Lincoln' resulta sencilla y poderosamente visual. (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,6
- Filmaffinity: 6,5
- IMDB: 7,7
* Media: 6,9

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jueves, 21 de febrero de 2013

PRIMER PLANO (CLOSE-UP)


Abbas Kiarostami es sobradamente conocido por ser uno de los más influyentes artistas de la nueva ola del cine iraní, sus trabajos representan a la perfección el espíritu que planea sobre el cine de su época y región en sus vertientes más poéticas y filosóficas, decantándose en sus películas sobre la cara más realista frente a la metafórica, también característica de esta corriente cinematográfica (algo que le da un toque más neorrealista y que nos acerca a su primer cortometraje El pan y la calle), aunque a pesar de ello consigue que la una no esté reñida con la otra en la totalidad de sus trabajos. La importancia de su obra y el compromiso con sus ideales es tal, que uno de sus últimos trabajos, Copia certificada, coproducido junto a Francia e Italia y galardonado con la espiga de Oro en la SEMICI, fue prohibido en su país de origen, Irán. Seguramente las obras más representativas y celebradas son sus filmes más conocidos, que además le consagraron como director, hablo por supuesto de ¿Dónde está la casa de mi amigo?, A través de los olivos o El sabor de las cerezas con el que consiguió llevarse la Palma de Oro en Cannes, pero a pesar de que estos estupendos trabajos son los que más nos suenan al escuchar su nombre es otro el filme que la crítica se ha encargado en situar en la lista de las mejores películas de la historia, hablo del filme que hoy nos ocupa, Primer plano (Close-up).

Sabzian es un joven amante del cine que decide hacerse pasar por el conocido director iraní Mohsen Makhmalbaf (El ciclista, El matrimonio de los benditos), al conocer una admiradora del realizador en un autobús publico. Una vez ha establecido contacto con la familia de la mujer, es descubierto por su engaño y llevado a prisión acusado de estafa. A partir de la historia real de este suceso, Kiarostami decide rodar un documental con los propios protagonistas para acercarnos a los hechos y rebelarnos los motivos que llevaron a Sabzian a acometer el engaño.

Kiarostami, al toparse con la noticia en la prensa y sentirse atraído por la relación cinematográfica que esta esconde, decide acercase al lugar de los hechos para documentar gráficamente el juicio de Sabzian y realizar entrevistas tanto a este como al resto de los implicados para conocerlo todo más a fondo. Él mismo, al hablar con el protagonista, decide implicarse en la historia de su propio filme y poder ayudarlo a conseguir el perdón de los denunciantes. Abbas Kiarostami convence no sólo a la justicia de dejarle grabar tanto el juicio como hacer las entrevistas dentro de la cárcel, si no que convence a todas las partes para participar como actores en la película, interpretarse a si mismo recordando y reflexionando sobre todo lo sucedido y conseguir así una película simplemente única.

El realizador iraní nos invita así a varias reflexiones, por una parte nos plantea dudas acerca de la mente humana y de los motivos que pueden llevarnos a meternos en situaciones confusas, un ejercicio acerca de la ética y la propia moralidad. Preguntas como: ¿Qué ha llevado al joven a engañar a la familia?, ¿Qué pretendía conseguir con ello?, ¿Hasta que punto es este culpable de algo?, ¿Somos dueños de nuestras propias acciones?... Hasta ofrecernos un debate sobre el perdón y la bondad. Por la parte menos filosófica, el filme es una estupenda radiografía de la situación de un país, de una sociedad, y de las consecuencias que puede tener esa situación sobre las personas. Una reflexión que más de veinte años después sigue siendo muy valida y por desgracia aplicable más allá de las fronteras de Irán.

Más allá del contenido narrativo de la película, esta se convierte también en puro arte cinematográfico al danzar entre los límites de la realidad y la ficción, con unos resultados sorprendentes que no hacen más que llamar la atención no solo de cualquier buen cinéfilo, si no de toda aquella persona que se adentre en sus imágenes. Las habilidades constructivas del filme no nos dejan adiviniar si lo que nos están contando es un guión escrito, está pasando en ese momento o es algún tipo de montaje que desconocemos.

En definitiva, Kiarostami construye un ejercicio fílmico tan humano que es imposible no empatizar con él y reflexionar de su mano. Una película que juega con los limites del arte cinematográfico. Un filme de carácter único.

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TÍTULO ORIGINAL Nema-ye Nazdik
AÑO 1990
DURACIÓN 100 min.
PAÍS Irán
IDIOMA Persa, Azerí
DIRECTOR Abbas Kiarostami
GUIÓN Abbas Kiarostami
MÚSICA Kambiz Roushanavan
FOTOGRAFÍA Abbas Kiarostami
REPARTO Hossain Sabzian, Mohsen Makhmalbaf, Abolfazl Ahankhah, Mehrdad Ahankhah, Monoochehr Ahankhah, Mahrokh Ahankhah, Nayer Mohseni Zonoozi, Ahmad Reza Moayed Mohseni, Hossain Farazmand, Hooshang Shamaei, Haj Ali Reza Ahmadi
PRODUCTORA Kanun
GÉNERO Documental. Drama
TEMÁTICA Drama judicial. Cine Social. Cine dentro del cine

SINOPSIS
El iraní Abbas Kiarostami mezcla documental y drama a través de una historia en el que un fanático del cine finge ser el reputado director Mohsen Makmalbaf.

PREMIOS
1990: Montréal Festival of New Cinema: Premio de la crítica a mejor película
1992: Istanbul International Film Festival: Premio FIPRESCI

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: 7,6
- IMDB: 8
* Media: 7,5

FRAGMENTO

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lunes, 18 de febrero de 2013

Febrero 2013

Después de más de más de un mes de ausencia aquí vuelvo cargado de un buen arsenal de películas para ir descubriendo... Siendo época de galardones ya muchos blogs se estarán encargando estupendamente de ir relatando todo lo que ha sucedido en Berlín, los BAFTA, Gaudí, Goya, Globos de oro... o lo que está por suceder en los César, Razzie y sobretodo los inminentes Oscar, así que evitando repetir las crónicas que podéis seguir en cualquier parte me centraré en seguir con el mismo estilo de hasta ahora. Pero, aunque tarde, no puedo saltarme la lista de estrenos de este mes, aquellas películas que por suerte o por desgracia ocupan un lugar destacado en nuestras salas, así que vamos allá con un resumen algo más reducido de lo que normalmente ocupa esta página:

ESTRENOS CINES:

Ya en cartel

- Hitchock (Sacha Gervasi, Estados Unidos, 2012): A pesar de que se esperaba mucho más de una cinta sobre uno de los más grandes realizadores británicos, las interpretaciones del conjunto actoral es suficiente motivo para interesarse sobre este filme que nos sitúa en la época en que Alfred Hitchcok se disponía a rodar uno de sus más destacados éxitos y una de las más grandes obras de la historia del cine, Psicosis. Una cinta que como poco promete ser entretenida y acercarnos a una figura de la que nunca está de más conocer sobre ella.




- Ai Weiwei: Never Sorry (Alison Klayman, Estados Unidos, 2012): Aunque por desgracia ya es imposible encontrar este filme en cartelera ya se puede conseguir en DVD, no está de más intentar encontrarlo ya que promete contener un material único que mostrarnos. Nominado en múltiples galardones internacionales, este documental nos acerca al artista y activista chino Ai Weiwei. Como hizo Esto no es una película al contarnos la problemática alrededor del director Jafar Panahi y la actual situación del cine iraní, Ai Weiwei: Never Sorry hace lo propio al mostrar la polémica situación del artista asiático. Un análisis entre la mezcla de arte y activismo social en un país como es China.


- Las ventajas de ser un marginado / The Perks of Being a Wallflower (Stephen Chbosky, Estados Unidos, 2012): ¿Se puede hacer cine teenager de calidad? Parece ser que sí. La opera prima de Stepeh Chbosky nos lleva una vez más a las aulas y los pasillos para centrar su drama romántico en unos personajes que todavía están pendientes de alcanzar su mayoría de edad. Más allá de la típica historia de adolescentes nos topamos con una cinta cargada de una fuerte fuerza emocional que se atreve a abordar temas como el sexo, la soledad o la muerte. Basada en el best-seller homónimo nos topamos con una película llena de sinceridad.


- No (Pablo Larraín, Chile-México-Estados Unidos, 2012): Premiada como mejor película en el Festival de La Habana, Premio Quincena de Realizadores a la mejor película en Cannes y nominada al Oscar de mejor filme de habla no inglesa. Con estos datos es imposible pasar por alto esta cinta de habla hispana que ambientada en los 80, cuándo la dictadura chilena está a punto de ser derrocada. Larraín completa su trilogía sobre Pinochet (Tony Manero; Post Mortem), con su mejor trabajo, una película que a pesar de las circunstancias históricas guarda un lugar para la comedia, regalándonos así un trabajo que no hay que dejar escapar.


- Marina Abramovic: la artista está presente / Marina Abramovic: The Artist is Present (Matthew Akers, Jeff Dupre, Estados Unidos, 2012): Este es un mes para los documentales sobre artistas polémicos, y esta vez le llega el turno a la famosa artista serbia Marina Abramovic. Abramovic se caracteriza por sus performances incomodas, un concepto bastante incomprendido. La artista responde así a la pregunta que tantas veces ha escuchado: "¿Pero por qué esto es arte?", en un documental nominado en los mejores festivales independientes.




- Dos días en Nueva York / 2 Days in New York (Julie Delpy, Francia-Alemania, 2011): En diciembre ya comenté como estreno esta secuela de aquella maravillosa película drama/comedia romántica que fue ópera prima de Delpy, 2 días en París, pero su estreno se ha visto retrasado dos meses, siendo Febrero la fecha en que por fin se ha lanzado a las salas. La película recupera el personaje de la excéntrica Marion, que ya separada de su pareja Jack, a encontrado de nuevo el amor. Su nueva pareja deberá soportar la extraña familia de Marion que viene de visita a la ciudad de Nueva York durante dos días. Seguramente al nuevo filme de Delpy le falte la profundidad sobre las difíciles relaciones de pareja que consiguió en su predecesora, por lo que seguramente este nuevo trabajo sólo sea apto para aquellos que quieren volver a recordar el periplo en París.

- Un planeta solitario / The Loneliest Planet (Julia Loktev, Estados Unidos-Alemania, 2011):  Alabada por la crítica y definida como una película dispuesta a romper con cualquier cliché de las pelis románticas, una cinta emocionalmente profunda a la vez que realista sobre la degradación de una relación. La historia se centra en Alex y Nica, una pareja de enamorados que emprenden un viaje a través de las montañas del Cáucaso (Georgia), justo antes de casarse. El viaje no solo va a ser para conocer el lugar, si no para conocerse a ellos mismos. Prometedora.




También estrenadas en Febrero:




- Popular / Populaire (Régis Roinsard, Francia, 2012)
- El último desafío / The Last Stand (Kim Ji-woon, Estados Unidos, 2013)
- Buscando a Nemo 3D / Finding Nemo 3D (Andrew Stanton, Lee Unkrich, Estados Unidos, 2003)
- Gangster Squad (Brigada de élite) / Gangster Squad (Ruben Fleischer, Estados Unidos, 2013)
- Mamá / Mama (Andrés Muschietti, Canadá-España, 2013)
- Entre Maestros (Pablo Usón, España, 2012)
- Un amor entre dos mundos / Upside Down (Juan Diego Solanas, Canadá-Francia, 2012)
- El payaso / O Palhaço (Selton Mello, Brasil, 2011)
- La jungla, un buen día para morir (La jungla de cristal 5) / A Good Day to Die Hard - Die Hard 5 (Die Hard V) (John Moore, Estados Unidos, 2013)
- Un plan perfecto / Gambit (Michael Hoffman, Estados Unidos, 2012)
- La trama / Broken City (Allen Hughes, Estados Unidos, 2013)
- Blackie & Kanuto (Black to the Moon) (Francis Nielsen, España-Italia-Francia, 2012)
- Muertos de amor (Mikel Aguirresarobe, España, 2012)
- Moscati: El médico de los pobres / Giuseppe Moscati: L'amore che guarisce (Giacomo Campiotti, Italia, 2007)


Viernes, 22 de febrero de 2013

- Siete psicópatas / Seven Psychopaths (Martin McDonagh, Reino Unido-Estados Unidos, 2012): Martin McDonagh vuelve con una película que sigue la estela de sus otros trabajos (Six Shooter; Escondidos en Brujas) dónde mezcla la comedia negra con el thriller, algo que ya le ha merecido reconocimiento anteriormente. Este nuevo trabajo nominado en los BAFTA, Toronto y los Spirits, nos cuenta como un guionista busca inspiración para su nuevo trabajo, en dos amigos que deciden secuestrar un perro y que sin quererlo se ven envueltos en una trama con la Mafia. 



- Blue Valentine, una historia de amor / Blue Valentine (Derek Cianfrance, Estados Unidos, 2010): Después del anuncio de estreno de la estupenda Blue Valentine se canceló una vez más dejando a esta maravillosa cinta sin fecha para poder gozar de ella en las salas. Después de tanta confusión por fin, y ahora sí que sí, se estrena Blue Valentine. Para l@s despistad@s, recordar que si lo que buscáis es una historia de placidos romances esta no es vuestra película, porqué lo que encontraréis en Blue Valentine es todo lo contrarío. El relato del nacimiento de un joven romance hasta su decadente final. Una estupenda película, que si todavía no habéis visto (¿queda alguien por ahí?), os recomiendo efervescentemente.

- Searching for Sugar Man (Malik Bendjelloul, Suecia-Reino Unido, 2012): Oscars, BAFTA, Sundance, Satellite, NBR, Guldbagge, DGA... Ninguna entrega de premios ha podido resistirse a este documental, que raramente nos llega a nuestras salas antes incluso de la ceremonia de los Oscar (parece que los distribuidores empiezan a valorar más el género documental), y que nos cuenta como dos sudafricanos emprenden una aventura en busca de la verdad sobre el paradero de su héroe musical Sixto Rodríguez. Un documental musical que va más allá para ofrecer una historia que no dejará indiferente a nadie, independientemente si es seguidor de este género documental o no.


Se estrena también:




- Después de Mayo / Après mai (Olivier Assayas, Francia, 2012)
- La última isla (Dácil Pérez de Guzmán, España, 2012)
- El atlas de las nubes / Cloud Atlas (Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski, Estados Unidos, 2012)
- La extraña vida de Timothy Green / The Odd Life of Timothy Green (Peter Hedges, Estados Unidos, 2012)
- Si fuera fácil / This Is Forty (This Is 40) (Judd Apatow, Estados Unidos, 2012)

ESTRENOS MERCADO DOMÉSTICO:

En lo que nos queda de mes nos llegan algunas propuestas que merecen como poco ser comentadas.

De entrada el miércoles 20 de enero llegan a la tienda dos estupendas cintas que por desgracia pasaron demasiado deprisa por nuestras salas. Por un lado la franco-coreana Una vida nueva / Yeo-haeng-ja - Une vie toute neuve, una película dónde la realizadora, Ounie Lecomte, se centra en su biografía para relatarnos como fue su vida tras su abandono en un orfanato. Por el otro nos encontramos la ampliamente celebrada por la crítica The Deep Blue Sea, un drama sobre el romance entre la mujer de un juez y un aviador de la RAF, dónde ambos viven una dura e imposible relación.


Y cerrando el mes, los días 26 y 27 nos llegan dos cintas españolas que se acaban de llevar varios Goya: la sobrevalorada Lo imposible /The Impossible y la maravillosa Blanvanives. Además esos días llegan también la obra que nos ha devuelto al Tim Burton de siempre, Frankenweenie, una nueva oportunidad para los fans del realizador que todavía seguis escepticos.



CICLO DE...
SAN VALENTÍN (Para despistados)
 

- La rosa púrpura del Cairo / The Purple Rose of Cairo (Woddy Allen, Estados Unidos, 1985): Supongo que no hace falta reseñar demasiado sobre este gran trabajo del estupendo Allen. Una comedia deliciosa con un estupendo ejercicio de metacine que además a dado pie a otros estupendos trabajos del director cómo puede ser Midnight in Paris (Medianoche en París). Su mensaje final es tan romántico como esperanzador y convierten a esta película en una gran joya muy disfrutable para ambos en la pareja (o para los que están solteros).




- Náufrago en la luna (Castaway on the moon) / Kim-ssi-pyo-ryoo-gi (Kimssi pyoryugi) (Kim's Island) (Lee Hae-joon, Corea del Sur, 2009): Quizás sea algo atrevido catalogar esta película como una cinta romántica, pero su estupenda história hace obligatorio incluir la película en la lista. Dos personajes tan extraños que se bastan y se sobran para definirnos a toda una sociedad, un románce platonico tan extraño como maravilloso. Castaway on the moon es una de esas películas invisibles que tras descubrirla no podremos entender cómo no ha llegado antes a nuestras vidas. Imprescindible.



- Un lugar dónde quedarse / Away We Go (Sam Mendes, Estados Unidos, 2009): Obra menor de Mendes pero altamente satisfactoria. Una divertida y tierna cinta sobre una pareja que busca, como su propio título indica, un lugar dónde asentarse, formar una familia, y ser felices. En el camino nos mostrarán diferentes parejas que poco a poco irán enseñandonos como la felicidad puede verse truncada con el paso del tiempo, algo que les horrorizará y les creará sus propios temores. Estupendos dialogos con los que reirnos sin parar, en una película sencilla que deja con una buena sonrisa.



- Siega Verde (Verd Madur) (Rafael Gil, España, 1960): Historica cinta de nuestro cine algo olvidada y que nos conduce hasta uno de los más maravillosos parajes de nuestra tierra: Los Pirineos. Allí se gesta una história  clásica de amor al puro estilo Romeo y Julieta, dónde las diferencias sociales se interponen en la busqueda del verdadero amor. Más allá de su historia es interesante conocer algo más sobre su época y realidad, ya que el filme, es una buena muestra de la problematica que tuvo el cine en plena época franquista y la limitación que elló conllevó al septimo arte.



- Los nombres del amor / Le nom des gens (Michel Leclerc, Francia, 2010): Estupendo y divertidismo guión para este mágico y entrañable filme que ofrece un gran rato de diversión gracias a su história de amor entre una joven chica de espirítu libre y un maduro y cuadriculado judío. Una pareja antagonica cuya lógica salta por los aires. Además, la cinta, se atreve a tocar algunos temas delicados de un modo mordaz como otros no lograrían hacerlo, temas como el Holocausto, la immigración o la demencia senil, todo ello sin herir sensibilidades pero tampoco sin remover conciéncias de un modo maniqueo.



- Medianeras (Gustavo Taretto, Argentina-España, 2011): Tras un arránque simplemente insuperable, este filme basado en un cortometraje homonimo del mismo director, nos conduce a través de las casualidades del destino en un cuento maravilloso en el que dos personas que están hechas la una para la otra no saben ni que la otra existe y está justo al lado. Una pequeña película deliciosa no solo para los que están en pareja, si no también para aquellas almas solitarias que siguen en busca de su media naranja. Estupenda.




- Keep the lights on (Ira Sachs, Estados Unidos, 2012): La película nos cuenta la historia autobiográfica de su realizador Ira Sachs, en una de sus más intensas y largas relaciones amorosas con el abogado Paul Luly. El director expone en pantalla aquellos aspectos de la vida cotidiana de un modo natural con un tema que si no fuese porqué está sumamente explotado contaría con gran interés, más que por la historia en si, por el debido análisis humano que realiza en sus imágenes. Una buena muestra de como la lucha por la superación de las respectivas adicciones va mermando poco a poco cualquier relación.



- Break Up Club / Fun sau suet oi nei (Wong Chun-Chun, Hong Kong, 2010): Original, fresca, divertida... el trabajo de Chun-Chun Wong es una bocanada de aire fresco para las comedias románticas de occidente. La história se centra en una premisa de lo más original: Wong, que se interpreta a si misma, quiere realizar una nueva película de estilo documental, así conoce a Jay, un joven que le hablará de una extraña web que te ayuda a recuperar a tu pareja, pero provocando que otra rompa. La directora interesada en el tema le dará una cámara al joven para que le aporte material al documental, pero finalmente el chico decide no entregar lo grabado. Estilo pseudo-documental, Break Up Club es una divertida y entrañable historia de amor.

- Un amour de jeunesse (Mia Hansen-Løve, Francia, Alemania, 2011): Drama romántico hiperrealista que busca contarnos como el primer amor, ese amor de juventud, es el que nos cala hondo dejandonos una marca tan profunda que nos condiciona con el resto de nuestras relaciones amorosas. Una película inteligente que merece la pena para al menos un visionado, su buena síntesis final hace de esta una obra muy recomendable.





- Beginners (Principiantes) / Beginners (Mike Mills, Estados Unidos, 2011): Una de las joyas sobre un romance que nos ha regalado este último año el cine. Un filme emocionalmente potente, lleno de nostalgia que rompe con cualquier linealidad en el argumento y construye un castillo de naipes perfecto que se refuerza con unas interpretaciones tan estupendas como el propio filme. Una película que sabe combinar su melancolía y tristeza con unas buenas dosis de optimismo y alegría. Una fabulosa película que no hay que perderse.




Y hasta aquí lo más destacado del mes, quién tenga más noticias que compartir ya sabe dejarlo en los comentarios. Un saludo y en marzo volvera la nueva edición de Descubrelapeli, abrazos a tod@s!