sábado, 26 de mayo de 2012

ELS NENS SALVATGES (LOS NIÑOS SALVAJES)


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A pesar de haberse llevado el galardón a mejor película en la última edición del festival de Málaga, Els nens salvatges quizás no sea la película española del año (puede que si catalana) pero cuenta con los suficientes elementos para reconocerla como un buen trabajo y de gran interés.

El último trabajo de Patricia Ferreira nos cuenta la historia de tres adolescentes cualquiera que como tantos otros se encuentran en una espiral de incomprensión con sus padres, maestros e incluso con ellos mismos. Ferreira consigue sacarle el mayor partido a esta historia a pesar de que ya nos la han contado millones de veces, aferrándose al realismo como mayor herramienta de su cine y sabiendo contarnos una pequeña historia como si fuera la más grande.

Muchos son los factores que convergen en Els nens salvatges y que le favorecen a buena manera, no hace falta decir que cuenta con un guión perfectamente construido (a pesar de ese final algo ajustado) que es de suma importancia en el resultado final, pero la realización juega con la mayor responsabilidad siendo la base más solida del metraje. El film tiene momentos dónde la imagen no es más que un factor para aprovechar la belleza de la fotografía, pero en la mayoría de su uso sirve no solo para reforzar las emociones y situaciones de los personajes, si no para contarnos aquello que no se hace con palabras ni acciones, Patricia Ferreira sabe jugar con los movimientos de cámara, con la profundidad y fuera de campo, con el sonido... con cualquier cosa que pueda mostrarnos el mundo que hay fuera del mismo microcosmos de su historia dotándola de verdad. Porque no debemos olvidar que Els nens salvatges nos muestra sólo una pequeña historia que se encuentra en un mundo dónde podríamos encontrar muchas otras que no podemos ver directamente, pero que están ahí y son de suma importancia para hacer creíble el relato que se nos presenta. El simple hecho de escuchar como el profesor pasa lista o el ver un cartel en la cristalera de un bar tan solo de pasada en un barrido, son algunos de los pequeños elementos que reflejan una realidad social que no nos quiere contar nada sobre la inmigración, la crisis económica, las diferencias de las clases sociales, ni ningún otro factor, pero que son imprescindibles en su contexto de realidad.

El montaje también cuenta con un papel importante, ya que es el encargado de atraparnos en el argumento. Inicialmente se nos presenta al trió de protagonistas utilizando la técnica de repetición argumental pero vista desde la perspectiva de cada uno, y a la vez nos sitúa en un espacio desconocido donde la cámara solo nos muestra un primer plano de los rostros de los jóvenes quinceañeros mientras podemos escuchar que mantienen una conversación que es la que sin pensarlo nos absorbe durante toda la cinta deseando conocer que les ha llevado hasta ahí.

La película a sabido ser fiel a la realidad social, sin generalizar en absoluto, sólo centrándose en su historia, jugando con varios clichés a los que les da la vuelta y los llena de verosimilitud gracias a varios elementos, cosas como el idioma, las localizaciones, los personajes son cartas que Ferreira ha sabido jugar con buena mano en su trabajo.

Las interpretaciones realmente merecen la pena, de entrada con el trío protagonista, en especial con Marina Comas que con este segundo trabajo en el largometraje ya ha dejado claro que su trabajo en Pa negre no fue fruto de la casualidad, y Àlex Monner un joven todo-terreno de la interpretación que así lo demuestra en este nuevo trabajo. Los secundarios aparecen poco, pero sus apariciones son tan importantes como potentes, hablamos por ejemplo de Ana Fernández quizás la que sabe dotar de mayor fuerza a su personaje, de Aina Clotet que a pesar de sus contadas intervenciones consiguió llevarse el premio a mejor actriz de reparto en Málaga, una irreconocible Emma Vilarasau que nos muestra un registro distinto al que nos tiene acostumbrados por televisión y sin desmerecer por supuesto el trabajo del resto de secundarios que aportan su granito de arena a este trabajo coral. Por último hay que aplaudir el trabajo de los extras, por desgracia en nuestro país es común encontrarnos con extras amateur que desearíamos que su presencia no hubiese contado ni con una replica, ya que tan solo al abrir la boca estropean la línea argumental, pero el trabajo de selección que se ha hecho en Els nens salvatges es digna de elogio y debería ser de ejemplo para otras producciones.

El filme de Ferreira evita las moralejas evidentes que nos regalan otras películas sociales como El bola o Barrio, que nos mostraban también unos personajes perdidos en situaciones límite, Els nens salvatges no quiere darnos respuestas, solo radiografiar una sociedad actual dónde todavía existen esos rebeldes sin causa, haciendo eso si, una merecida defensa sobre la enseñanza pública.

Definitivamente Els nens salvatges es una película que no debemos desmerecer, sin ser en absoluto una obra maestra, nos muestra que podemos disfrutar de buen cine hecho desde la sencillez. Merece la pena.

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TÍTULO ORIGINAL Els nens salvatges
AÑO 2012
DURACIÓN 100 min.
PAÍS España
IDIOMA Catalán, Español
DIRECTOR Patricia Ferreira
GUIÓN Patricia Ferreira, Virginia Yagüe
MÚSICA Pablo Cervantes
FOTOGRAFÍA Sergi Gallardo
REPARTO Marina Comas, Àlex Monner, Albert Baró, Aina Clotet, Ana Fernández, Eduardo Velasco, Mercè Pons, Xavier Ripoll, Clara Segura, Francesc Orella, Montse Germán, Emma Vilarasau, José Luis García Pérez, Marc Rodríguez, Israel Frías, Julia Ibarz, Elen Kun, Pep Amores
PRODUCTORA Distinto Films / Televisió de Catalunya (TV3) / Áralan Films S.L.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Adolescencia. Amistad. Familia. Enseñanza. Colegios & Universidad. Drama Social

SINOPSIS
Álex, Gabi y Oki, tres adolescentes que viven en una gran ciudad, son unos perfectos desconocidos para sus padres, para sus profesores y para sí mismos. Su aislamiento emocional, llevado al límite, tendrá inesperadas y terribles consecuencias que sacudirán a la sociedad.

PREMIOS
2012: Festival de Málaga: Mejor película, guión, actriz reparto (Clotet) y actor rep. (Monner)

CRÍTICAS
- "Decepciona su falta de ambición. Todo se diluye en una serie de estereotipos (...) Cabía esperar más de esta cineasta, aunque sobresale un elenco de intérpretes que aportan verosimilitud a la historia." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

= "Un realismo cercano, pero de poca calle, masticado, nada improvisado, mucho más cercano a 'Tapas' que a la francesa 'La clase', con trazas de telefilme, pero, por fortuna, con las miras más altas, sobre todo gracias a su estructura. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

+ "Un polvorín a punto de estallar en el que los idiomas se combinan de una manera realista, actual, en boca de unos actores que están escogidos a medida y dirigidos al milímetro (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Pere Vall: Fotogramas)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,6
- Filmaffinity: 6,6
- IMDB: 9,2
* Media: 7,8

TRAILER


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martes, 22 de mayo de 2012

LOS PITUFOS


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En circunstancias normales ni tan siquiera hubiese mencionado esta película, de hecho todavía no termino de entender que planetas se alinearon para que llegará a atreverme con su visionado, pero tras su menos de hora y media de visionado decidí que merecía un post especial reivindicativo.

La crítica ya se ha encargado lo suficiente de vilipendiar esta producción, que no nos vamos a engañar, es de una comercializad desbordante. Pero dentro de su simpleza argumental y su estilo poco imaginativo y repetitivo, la adaptación a la gran pantalla de las historietas de Peyo no podría haber sido más correcta en manos de una gran productora americana como es la Sony Pictures.

La historia conduce a nuestros personajes azules, de sobra conocidos, hasta nuestro mundo, en pleno bullicio neoyorquino. A pesar de re-situar las aventuras de los pequeños Pitufos en un nuevo marco que poco tiene que ver con la época del Medievo inspiración en los cómics, la fidelidad es absoluta, otras pésimas producciones familiares de su estilo que intentaron adaptar a la pantalla figuras de la viñeta o de las series animadas de tiempo atrás como Garfiled, Iznogoud, Los Borrowers o Lucky Luke y los Dalton, pecaron de abandonar el espíritu original de la obra para "intentar" adaptarla a los nuevos tiempos, ofreciendo un irregular y pésimo resultado dónde las coincidencias con el original no van más allá del titulo. En cambio, con Los Pitufos, ese problema no sucede, da igual que nos transporten a pleno corazón urbano, Los Pitufos siguen siendo los personajes que siempre hemos conocido, y las referencias bibliográficas hacía Peyo son de lo más acertadas, por eso la estima hacía ellos se consigue conservar.

Y no solo los caracteres de los pequeños amigos azules es lo que se conserva, la adaptación del malvado Gargamel a imagen real está igual de cuidada y lograda, con una buena interpretación por parte de Hank Azaria y por supuesto de la caracterización y maquillaje de su personaje, especial atención también a la estupenda adaptación semi-digital del gato Azrael, un trabajo deslumbrante que roza la perfección no solo visual, si no por la estupenda conversión que se ha hecho de él. En el resto de reparto a pesar de no destacar en sus interpretaciones tenemos a la pareja protagonista que hace un trabajo aceptable, hablamos de Neil Patrick Harris y Jayma Mays. No puedo olvidar a la siempre fabulosa Sofía Vergara, de la cual no puedo hablar objetivamente ya que su sola presencia me produce una simpatía infinita, la actriz famosa por su papel de Gloria en la exitosa y muy recomendable Modern Family, interpreta a una mujer de armas tomar y de un carácter tirando a odioso, espero que le sigan ofreciendo más papeles cómicos para seguir disfrutando de esta nueva estrella latina.

Como decíamos Los Pitufos no pueden ofrecer mucho más, el film en absoluto es para tenerlo muy en cuenta, y su 3D es tan desastroso como la mayoría de producciones actuales (por no decir que las que se salvan las podríamos contar con los dedos de una mano), pero los que sientan nostalgia por estas entrañables criaturas la van a disfrutar si la comparten con sus hijos, sobrinos, nietos o cualquier pequeño revoltoso que tengan por su hogar, tiene los ingredientes justos para entretener de un modo decente arrancando la sonrisa, y lo que es más importante, sin caer jamás en errores al querer pasarse con dosis de modernidad que nublan el verdadero espíritu del film.

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TÍTULO ORIGINAL The Smurfs
AÑO 2011
DURACIÓN 86 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMAS Inglés, Español
DIRECTOR Raja Gosnell
GUIÓN J. David Stem, David N. Weiss (Personajes: Peyo)
MÚSICA Heitor Pereira
FOTOGRAFÍA Phil Meheux
REPARTO Hank Azaria, Neil Patrick Harris, Jayma Mays, Sofía Vergara, Tim Gunn, Jonathan Winters, Mr. Krinkle
VOCES ORIGINALES Tom Kane, Jonathan Winters, Alan Cumming, Katy Perry, Fred Armisen, George Lopez, Anton Yelchin, Kenan Thompson, Jeff Foxworthy, John Oliver, Frank Welker
PRODUCTORA Columbia Pictures / Kerner Entertainment Company / Sony Pictures Animation
GÉNERO Animación. Comedia. Infantil
TEMÁTICA Cómic. Cine familiar. 3D

SINOPSIS
Gargamel descubre la aldea mágica de los Pitufos y provoca con sus malas artes que la abandonen y se dispersen por el bosque. Por desgracia, Tontín se equivoca de camino y, junto con otros pitufos, entrará en una ruta prohibida. La luna azul y un portal mágico los transportarán a Central Park, en Nueva York. Sin embargo, Gargamel sigue persiguiéndolos, por lo que los Pitufos buscarán refugio en casa de un matrimonio...

PREMIOS
2012: Kids' Choice Awards: Mejor voz de película animada. Nominada a película favorita y mejor actriz (Sofía Vergara)

CRÍTICAS
= "En un día caluroso de verano, 'The Smurfs' es una excusa bastante decente para arrastrar a los pequeños a los cines con aire acondicionado" (Neil Genzlinger: The New York Times)

+ "'The Smurfs' tiene cerebro, corazón y estilo, lo que se granjeará el cariño de los adultos y también de los pequeños espectadores" (Colin Covert: Minneapolis Star Tribune)

= "Adorable e insulsa, totalmente innecesaria aunque más o menos tierna...un calculador proyecto comercial con poca alma pero con una apreciable cantidad de corazón" (Justin Chang: Variety)

- "Este híbrido de animación e imagen real es más un desastre 3-D que una comedia familiar. Ni siquiera Neil Patrick Harris, que ha probado que puede salvar cualquier barco que se hunde, puede hacer que éste flote" (Betsy Sharkey: Los Angeles Times)

- "Esta peliculita cutre tiene una animación pésima, efectos especiales aún peores y el 3-D más borroso e inductor al dolor de cabeza desde 'Clash of Titans' (...) Puntuación: 0 (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Gosnell devolvió a los pitufos la dignidad que habían perdido (...) Sus pitufos son simpáticos, divertidos (sobre todo el gruñón) y sí, son tan blanditos como recordábamos, pero sin caer en el blandiblú (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

- "Lamentable (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Irreprochable cine familiar (...) Pero tiene bastantes más elementos de interés, como su aire de comedia neoyorquina amable, sofisticada y a ratos hasta bohemia y cáustica (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Fausto Fernández: Fotogramas)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 5,9
- Filmaffinity: 5,2
- IMDB: 5,3
* Media: 5,5

TRAILER


ABERTURA SERIE CASTELLANO



OBERTURA SÈRIE CATALÀ


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lunes, 21 de mayo de 2012

LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO


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La rosa púrpura del Cairo es un filme que marca un cambio importante en la filmografía de Woody Allen, su estilo se aleja de sus anteriores trabajos donde nos presentaba a personajes neoyorquinos con problemas en sus relaciones y desaparecen sus conocidos monólogos y la propia presencia como actor, aunque a pesar de ello su huella siga impregnando todo el metraje.

Su último y estupendo trabajo, Midnight in Paris, repite la formula que presenta en este viejo trabajo, me atrevería a decir que incluso mejorando algunos aspectos. Mia Farrow interpreta a una joven enamorada del cine que de repente ve su vida descolocada (una vida que no recomendamos para nadie) al encontrarse en un extraño cuadrado romántico. Tras acudir varios días al cine a ver la misma película uno de los personajes de la misma se da cuenta de su presencia y decide abandonar la pantalla para encontrarse con ella. Este surrealista suceso es el eje de la película, y se sucede de un modo tan natural que sorprende, Cecilia, personaje que interpreta Farrow acompaña al nuevo compañero a conocer su mundo y le ayuda a esconderse de todos los que intentan conseguir que vuelva a la película. Los estudios deciden entonces enviar al actor que interpreta al héroe que abandonó el film para encontrarlo y convencerlo de volver, con ello conocerá a Cecilia y aprenderá una lección sobre la humildad.

El contraste entre los dos personajes que interpreta Jeff Daniels es tremendamente interesante, por un lado tenemos al héroe con el que todas las féminas de la época soñaban, un hombre ideal, atento, romántico, amable... Por contra el actor real que muestra la cara del hombre real, una persona cargada de cinismo y egoísmo. A estos debemos sumarle el personaje del marido de Cecilia, un tirano que la aterroriza por su rudeza y al que mantiene en sus vicios. La síntesis que podemos hacer de sus apariciones ya es suficiente para ver que nos encontramos ante un film complejo y bien construido.

Su ambientación histórica ayuda a potenciar su mensaje de amor por el cine, nos encontramos durante la Gran Depresión que se vivió en los años 30 en Estados Unidos, en la que es conocido como el cine ayudó a la dispersión de las personas que vieron día a día mermada su calidad de vida, acudiendo al cine con asiduidad a ver las evasivas comedias sofisticadas que les ayudaban a desconectar de todas sus preocupaciones. Sería interesante analizar como ahora que vivimos una situación similar a la de los 30, se repiten esas formulas donde suben las ventas de libros, el consumo de cine, y de aquel ocio más económico.

El guión de Allen logra deshacer la complejidad de su historia de un modo que otro no podría conseguir, su trabajo de metacine es tan único que es imposible que no se haya vuelto a copiar, incluso como he comentado antes, él mismo se copia en Medianoche en París cambiando el cine y el amor, por la historia y la nostalgia, siendo en esencia de igual resultado.

Su reflexión sobre la ilusión y una excelente conclusión en absoluto cínica ni previsible, deja un mensaje romántico único: La ficción puede salvar nuestras vidas, Allen consigue convencernos de ello. Sólo me queda despedir con esta frase del film que sintetiza a la perfección ese mensaje y nos recuerda al conocido final de Con faldas y a lo loco intensificando el mensaje sobre la magia del cine:
"He conocido a un hombre maravilloso. Es imaginario, pero ¿qué importa eso? No se puede tener todo"
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TÍTULO ORIGINAL The Purple Rose of Cairo
AÑO 1985
DURACIÓN 85 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Woody Allen
GUIÓN Woody Allen
MÚSICA Dick Hyman
FOTOGRAFÍA Gordon Willis
REPARTO Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Dianne Wiest, Van Johnson, Irving Metzman, Stephanie Farrow, Zoe Caldwell, John Wood, Milo O'Shea, Edward Herrmann
PRODUCTORA Orion Pictures. Productores: Jack Rollins & Charles H. Joffe
GÉNERO Romance. Comedia. Fantástico
TEMÁTICA Comedia romántica. Cine dentro del cine. Gran Depresión. Crisis económica. Años 30

SINOPSIS
EE.UU., Gran Depresión. Mientras Cecilia trabaja como camarera en Nueva Jersey, su marido se dedica a hacer el vago. Su única vía de escape es el cine, al que acude una y otra vez para evadirse de la realidad y soñar con un mundo de champagne, trajes de noche y fiestas elegantes. Una noche, el protagonista de su película favorita, "La rosa púrpura de El Cairo", se fija en ella y atraviesa la pantalla para conocerla.

PREMIOS
1985: Festival de Cannes: Premio FIPRESCI
1985: Nominada al Oscar: Guión original
1985: BAFTA: Mejor película
1985: Premios de la Academia Británica: Mejor película y mejor guión

CRÍTICAS
+ "Interesantísima comedia, llena de imaginación y sentido del humor al más puro estilo Allen, con un reparto muy acertado para un mítico largometraje. Un lujo" (Fernando Morales: Diario El País) 

+ "Deliciosa, inteligente y divertidísima fábula cinéfila (...) Un paso adelante en una filmografía que desde entonces no vivirá un solo momento de desmayo" (Luis Martínez: Diario El País) 

FRASES
*  He conocido a un hombre maravilloso. Es imaginario, pero ¿qué importa eso? No se puede tener todo.

* Es increíble. La semana pasada no me quería nadie y hoy se enamoran de mi dos personas... que son el mismo hombre

CURIOSIDADES
- Esta era la segunda película en la que intervenía Viggo Mortensen, pero igual que le paso la vez anterior, sus escenas también fueron eliminadas del montaje final. A la tercera fue la vencida y debutó en Único Testigo.

- Woody Allen comentó acerca de la película que: la razón de ser de ¨La Rosa Púrpura de El Cairo¨ es el final. Si Hubiera tenido otro final, es decir, un final final, habría sido una película trivial

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,2
- Filmaffinity: 7,6
- IDMB: 7,7
* Media: 7,5

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domingo, 13 de mayo de 2012

GUERRILLER@S

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Guerriller@s es un documental que nos ofrece una visión distinta de aquello que llaman trastorno de género, un trabajo que a partir de las reflexiones de un grupo heterogéneo de activistas trans nos acerca a conocer en mayor profundidad una realidad que intenta huir de esquemas arquetípicos de nuestra sociedad.

Dejando de lado la realización típica de reportaje con alguna que otra licencia para separarse de ese encasillamiento, en Guerriller@s encontramos unas ideas sumamente interesantes a través de las entrevistas que Montse Pujantell realiza a los protagonistas del filme. Sus ideas ayudan a romper las concepciones que tenemos sobre la transexualidad, y se atreve a enseñarnos como la sociedad ha creado un mundo tan cerrado que los intentos de adaptar lo "nuevo" a él, no tienen por que ser positivos.

El documental se encarga de desmoronar el trabajo psiquiátrico exempto de cualquier realidad, que se basa en supuestas teorías asociales que no hacen más que ayudar a ese sistema de autómatas y se encarga de crear personas que para ser felices necesiten integrarse en una sociedad sin que esta haga ningún cambio al respeto.

Es elogiable encontrar trabajos que se dignen a profundizar en una realidad alternativa a la que comúnmente nos tienen acostumbrados, dándonos un visión distinta, llena de interés y con pocas pretensiones más allá de las sociales.

Un trabajo altamente recomendable.


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TÍTULO ORIGINAL Guerriller@s
AÑO 2010
DURACIÓN 54 min.
PAÍS España
IDIOMA Español, Catalán
DIRECTOR Montse Pujantell
GUIÓN Montse Pujantell
MÚSICA Pony Bravo
FOTOGRAFÍA Montse Pujantell
PRODUCTORA Montse Pujantel
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Transexualidad. Cine Social. Mediometraje

SINOPSIS
Guerriller@s es un documental que plantea una reflexión sobre la identidad de género, una aproximación a la construcción genérica y sus "estrategias de control" a partir de un grupo bastante heterogéneo de militantes por la lucha transexual y transgénero.

PREMIOS
2010: Festival Internacional de cinse sobre diversidad sexual y género (Argentina): Premio del jurado
2010: Festival Internacional de cine GLBT La Paz: Mejor documental
2010: Mufest: Tercer premio
2010: Lesgaicinemad: Mejor documental español y premio del público
2010: Festival internacional de cinema Gai i lèsbic de Barcelona: Premio del público (categoría documental)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: -
- IMDB: -
* Media: 7

TRAILER



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sábado, 12 de mayo de 2012

ROMPECABEZAS

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Nos encontramos con Rompecabezas ante una película extremadamente sencilla que nos habla de aquellos momentos en la vida donde nos planteamos hacía donde nos estamos dirigiendo, con ello Natalia Smirnoff se estrena en el mundo del largometraje con un resultado algo irregular pero con unas muy buenas intenciones que logra transmitirnos a los espectadores.

María del Carmen justo ha cumplido el medio siglo de edad, se ha dado cuenta que su vida se ha vuelto rutinaria y que piensa más en los que la rodean que en ella misma. En la celebración de su aniversario recibe como regalo un rompecabezas, gracias a él encontrará un modo de volver a encarrilar su vida, y aprender a disfrutarla a su manera.

Argumentalmente el film de Smirnoff es precioso, sabe llegarnos mostrándonos muy bien su visión de encontrar la propia felicidad gracias a las pequeñas cosas, aprovecha la simpleza para ofrecer un film muy liviano y suave, pero dentro de su simpleza la autora sabe ahondar muy bien dentro de la complejidad emocional de su protagonista. Sorprende encontrarnos con María del Carmen al principio del film, cuando vemos que debe ocuparse ella misma de su fiesta de aniversario, quedando a un margen y sin ningún protagonismo, descubriendo así cual es su papel en su familia. Pero gracias a la premisa del puzzle, un leitmotive tan claro que no necesita explicación, poco a poco acompañamos a María del Carmen a distanciarse de esa vida, viendo como a su vez, la familia empieza a no depender de ella, sintiéndose ella atrapada y desconcertada. Al ver que no es imprescindible busca nuevos caminos para sentirse plena, los encuentra, pero el miedo no es un buen aliado.

A su vez la película se lo debe todo a María Onetto, su interpretación protagonista es fabulosa, sabe medir muy bien las emociones de una María del Carmen confusa, perdida y con miedo, encerrada en si misa y abriéndose poco a poco hacía su felicidad.

El film, pero, tiene varios problemas que la hacen irregular. De entrada la mano de principiante en la realización no deja duda, pero sabe ocultarse tras la historia. Por otro lado esa simplicidad que juega de entrada su favor nos deja a su vez con la sensación de no haber disfrutado por completo del metraje. La historia del film está estancada, ya en el principio del filme todo nos viene dicho, enseguida entendemos las emociones de la protagonista empatizando con ella automáticamente, pero no avanza, el miedo de María del Carmen contagia la historia que se mueve al mismo ritmo que sus emociones y sus pequeños movimientos no son los suficientes para llegar a ningún lado. Lo curioso de ello es que ese factor no nos deja olvidar que hay muchas vidas como las de María del Carmen, que es común encontrar tantas y tantas personas que no logran encontrar aquello que les hace sentirse llenos y terminan por caer en la mediocre conformidad. En contrapunto tiene un buen final, muy en la linea sencilla que reina durante toda la película, pero suficiente para cerrar la complejidad de esas emociones que intenta transmitirnos.

Sus puntos negativos consiguen enmascarar un film con un fondo lleno de potencial, debemos quedarnos con que su realizadora tiene cosas buenas que contarnos, y que con el tiempo seguramente sabrá perfilar el modo de contárnoslas, habrá que esperar a un nuevo trabajo para ver si en él sabe sacar el jugo que Rompecabezas tiene, pero que ha quedado escondido.


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TÍTULO ORIGINAL Rompecabezas (Puzzle)
AÑO 2009
DURACIÓN 87 min.
PAÍS Argentina
IDIOMA Español
DIRECTOR Natalia Smirnoff
GUIÓN Natalia Smirnoff
MÚSICA Alejandro Franov
FOTOGRAFÍA Bárbara Álvarez
REPARTO María Onetto, Gabriel Goity, Arturo Goetz, Henny Trayles, Mirta Wons
PRODUCTORA Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Mujer

SINOPSIS
María del Carmen, un ama de casa de 50 años que vive en Turdera, un suburbio bonaerense, descubre que tiene un don: armar rompecabezas. Ya metida de lleno en esta actividad, conoce a Roberto, un millonario de 60 años que aspira a participar en el torneo mundial de rompecabezas de Alemania. Juntos logran formar una pareja imbatible en este juego.

PREMIOS
2010: Festival de Berlín: Sección oficial a concurso
2010: Academia de cine Argentino: Nominada a mejor ópera prima
2011: Associación de criticos de cine de Argentina: Mejor ópera prima. Nominada a mejor dirección, guión, actriz protagonica (Maria Onetto), mejor actor de reparto (Arturo Goetz), mejor actriz de reparto (Henry Trayles)
2011: Cartajena Film Festival: Mejor guión. Nominada a mejor película

CRÍTICAS
= "Se supone que todo en esta película pretende ser sugerente, penetrante, contradictorio y complejo tras su fachada minimalista. Por mi parte, a ratos me intriga la personalidad de la protagonista, y en otros no puedo reprimir el bostezo." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Magistral debut (...) retrato perfecto y preciso de una vida que, de repente, se descubre a sí misma." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Extraño y fascinante debut (...) relato minimalista repleto de meandros. (...) lo que hace de Rompecabezas una obra mágica poco tiene que ver con su fondo y sí mucho con su forma." (Javier Ocaña: Diario El País)

= "Una película pequeña, quizás episódica, pero luminosa" (Sara Brito: Diario Público)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,5
- Filmaffinity: 6,3
- IMDB: 6,8
* Media: 6,5

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miércoles, 9 de mayo de 2012

LA COCINA DE NOCHE



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Triste noticia ayer tras el anuncio de la muerte de Maurice Sendak, sobradamente conocido autor e ilustrador de cuentos infantiles, libros que han pasado al imaginario colectivo con una facilidad increíble, y no es para menos, ya que sus obras son pura maravilla. La más conocida sin duda es la fabula infantil Dónde viven los monstruos, éxito que vio exponenciado tras el estreno de la adaptación a la gran pantalla en manos de Spike Jonze, pero no es su única obra conocida, ya que muchas otras las hemos podido disfrutar en muchas partes del globo terráqueo. Una de ellas es La cocina de noche, un cuento que se ha visto censurado en muchas partes del mundo por parte de los sectores más conservadores, la causa es el dibujo de un niño desnudo. En el corto documental nominado al Oscar, Tell Them Anything You Want: A Portrait of Maurice Sendak, el ilustrador exclama:
"¡Pero es que los niños tienen pene!"
En 1973, Gene Deitch conocido por sus trabajos en Tom y Jerry, adapta por primera vez una obra de Sendak, la más conocida: Dónde viven los monstruos. La fidelidad con la historia y las ilustraciones son dignas de admirar convirtiendo a ese trabajo en un estupendo complemento para el cuento. En el 87, Deitch repite aventura pero esta vez con la polémica La cocina de noche filme que hoy nos ocupa.

Como con su anterior trabajo, Deitch sigue siendo completamente fiel al cuento del autor neoyorkino, repitiendo ilustración y diálogos. La magia de la adaptación reside sobretodo en no perder la esencia de la maravillosa fabula que nos encontramos en el papel, gracias a esa fidelidad consigue ese propósito que refuerza con una banda sonora que le va al dedillo a cargo del búlgaro Angelo Michajlov y un doblaje estupendo.

En su relato se destaca por un circuito lógico de la ilógica onírica de su protagonista, que nos lleva a un mundo de colores dónde destaca un azul intenso lleno de la energía propia de su protagonista, consiguiendo contagiarnos al público. 

En la cocina de noche, al igual que en la obra completa de Sendak, se destaca no solo por el fabuloso estilo animado, si no por haber sido capaz de introducir el humor negro en el mundo infantil junto con algunas notas de terror y el saber analizar los recovecos de la mente humana.

Sendak a sido por ello y sin dudar, uno de los más importantes autores infantiles del siglo XX. Hoy le recordaremos y invitamos a todo el mundo a llegarse a las bibliotecas dónde poder pegar un ojo a alguno de sus cuentos ilustrados, merece la pena.


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TÍTULO ORIGINAL In the Night Kitchen
AÑO 1987
DURACIÓN 7 min.
PAÍS Checoslovaquia, Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Gene Deitch
GUIÓN Gene Deitch (Libro: Maurice Sendak)
MÚSICA Angelo Michajlov
VOCES ORIGINALES Peter Schickele
PRODUCTORA Krátký Film Praha / Weston Woods Studios
GÉNERO Animación. Infantil. Musical
TEMÁTICA Cortometraje. Surrealismo. Infancia

SINOPSIS
La cocina de noche es un relato del sueño de un niño pequeño. Miguel se cae de la cama, hundiéndose entre las sombras y perdiendo su ropa por el camino hasta que aterriza en la masa que hay en la ruidosa cocina donde tres cocineros con cara de Oliver Hardy lo confunden con la leche, lo mezclan con la masa y lo meten al horno para hacer un pastel.

PREMIOS
1987: CINE Competition: Mejor película infantil/animación

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,4
- Filmaffinity: -
- IMDB: 7,5
* Media: 7

CORTOMETRAJE (INGLÉS)


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martes, 8 de mayo de 2012

LLACH: LA REVOLTA PERMANENT (LLACH: LA REVUELTA PERMANENTE)



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El 3 de marzo de 1976, en Vitoria, la huelga general de unos trabajadores se convierte en una masacre gracias a la aportación de las fuerzas del orden y de la seguridad. Nos encontramos en las puertas de la transición española.

Llach: La revolta permanent es una película documental que nos cuenta dos historias distintas pero que tienen tanto en común que en cierto punto se funden para ser una sola y desembocar en un emocional concierto a cargo del mismo Lluís Llach. Por una parte se nos presenta la figura de Llach, cantautor catalán sobradamente conocido por sus canciones protesta, en especial por su Estaca que se ha convertido en himno revolucionario en gran parte del mundo, pero el film, por si queda algún despistado que desconoce la figura del cantante hace una rápida mirada a su pequeña historia para ponernos al día. Por el otro lado, el más interesante, nos cuenta los hechos sucedidos ese tres de marzo a partir de la visión de algunos de los que estuvieron allí, los que perdieron algún ser querido, e incluso algún político que todavía hoy lanzan las culpas hacia otro lado. El relato de la barbarie cometida todavía hoy pone la piel de gallina y consigue sorprendernos a pesar de conocer los hechos e incluso a sabiendas que hay lugares en el mundo que suceden cosas mucho peores.

Un relato que nos deja una fuerte pisada emocional tras escuchar como 30 años después las familias de las víctimas siguen con una profunda tristeza dentro suyo, ya que ese día indudablemente les cambió por completo su forma de vivir, y además siguen esperando esas disculpas por parte de algún responsable, unas disculpas que aunque no les traigan de vuelta a sus hijos, hermanos, parejas... les ayudarán a seguir adelante. No fue hasta 2008 (la película es del 2006) en que una comisión del Parlamento Vasco consideró responsables de los sucesos a los titulares del gobierno que había por entonces.

La película, tras el relato de lo acontecido nos manda hasta el 3 de marzo de 2006 cuando los familiares de las víctimas convocan una manifestación en recuerdo de esas víctimas del terrorismo de estado, donde las imágenes nos muestras como a pesar de que las cosas mucho han cambiado, en esencia todavía queda mucho por recorrer. Esa marcha termina, junto al film, en un emotivo concierto dónde Llach interpreta la canción que compuso tras conocer la noticia, Campanades a Morts, un momento lleno de emotividad que termina de ponernos los vellos de punta y disfrutar de esta estupenda película.

El 3 de marzo es una fecha para no olvidar, y el film de Lluís Danés es un estupendo recurso par ello, una película que se convierte en un esencial elemento para la memoria histórica de nuestro país y un estupendo homenaje para aquellas víctimas.


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TÍTULO ORIGINAL Llach: La revolta permanent
AÑO 2006
DURACIÓN 90 min.
PAÍS España
IDIOMA Catalán, Español
DIRECTOR Lluís Danès
GUIÓN Lluís Arcarazo, Lila Pla
MÚSICA Lluís Llach
FOTOGRAFÍA Emili Guirao
REPARTO Lluís Llach, Rodolfo Martín Villa, Carlos Arias Navarro, Maria del Mar Bonet, Juan Carlos de Borbón, Manuel Fraga, Mercedes Milá, Marina Rossell,
PRODUCTORA Mediapro / Bainet Zinema
GÉNERO Documental. Musical
TEMÁTICA Años 70. Música. Transición española. Política

SINOPSIS
El 3 de marzo de 1976 en Vitoria, en el transcurso de una asamblea de trabajadores, la actuación de la Policía causó cinco muertos y más de cien heridos de bala. Esa misma noche, llevado por la rabia, Llach compuso la que sería una de las canciones más emblemáticas de la Transición: Campanades a morts. Ahora, treinta años después, Lluís Llach vuelve a Vitoria para interpretarla en un concierto multitudinario en recuerdo a las víctimas del 3 de marzo. Un viaje en el espacio y en el tiempo conducido por la música y las palabras del propio Llach, en el que se mezclan recuerdos autobiográficos con imágenes y testimonios de los protagonistas de esos hechos. Esta es la historia de una canción, el retrato de la persona que la escribió y la crónica de los hechos que la inspiraron. Un grito y una exigencia de revuelta permanente contra el olvido.

PREMIOS
2007: Barcelona Film Awards: Mejor música. Nominada a mejor documental, mejor película en lengua catalana y mejor sonido.
2007: Butaca: Nominada a mejor película catalana

CRÍTICAS
+ "Un ejercicio doblemente noble el de absorber musicalmente el dolor de las víctimas del terror y el de cantarles públicamente su apoyo entonces y ahora. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC) 

FRASES
*  La matanza de Vitoria, el primer gran fracaso de la transición, para muchos de nosotros no habrá nunca transición acabada hasta que se pida perdón a las víctimas de lo sucedido.

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,7
- Filmaffinity: 7,2
- IMDB: 7,7
* Media: 7,5

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lunes, 7 de mayo de 2012

LOS TRES ENTIERROS DE MELQUÍADES ESTRADA


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Tras varios días de ausencia volvemos con las pilas cargadas y un arsenal de películas para ir comentando día tras día. Primero de todo agradecer a nuestros amigos de Cinema Lights que se han acordado de Descubrepelis y Descubrelapeli y nos han regalado un premio Liebset Blog Award, un abrazo fuerte para ellos y una recomendación para visitar su blog, un espacio completísimo de reseñas, juegos y noticias relacionadas con el séptimo arte. Recordar también que esta será nuestra primera aportación a la primera maratón Blogger que organiza el blog Film Focus, donde encontraréis muchas otras aportaciones de estupendos compañeros de la blogosfera. Y sin más dilación vamos con la reseña de hoy.

Que el western ha dado una significativa evolución a día de hoy no es noticia, por suerte el género en vez de morir ha mutado sabiéndose adaptar a los tiempos actuales y ofreciéndonos grandes trabajos que a pesar de dar una vuelta distinta al juego de indios y vaqueros no ha perdido las señas significativas del cine del oeste. Hablamos de trabajos como el No es país para viejos de los hermanos Coen, la fabula gay de Brokeback Mountain dirigida por Ang Lee o la que hoy nos ocupa, Los tres entierros de Melquíades Estrada que realiza el conocido actor Tommy Lee Jones.

Lo primero en que debemos fijarnos en el filme de Jones es sin duda en el guión, un guión que lleva la firma de uno de los más reputados escritores del cine actual, el mexicano Guillermo Arriaga, conocido sobretodo por su fabuloso trabajo junto a Alejandro González Iñárritu en films como Amores perros, 21 gramos o Babel. En Los tres entierros de Melquíades Estrada encontramos su huella de un modo muy claro, donde su técnica de narrativa descompuesta nos acompaña siendo la seña del guionista, una técnica que siempre ha conseguido que los films donde ha trabajado Arriaga sean más complejos e interesantes, en esta ocasión sólo es utilizada en la primera parte del metraje, que nos pone en situación para el resto del film, que se ha dividido en cuatro partes (los tres entierros y el viaje).

El film es un estupendo relato de amistad, lealtad, justicia y redención, señas muy características del western como ya hemos comentado anteriormente. Nos relata la historia de Pete, un vaquero que traba amistad con Melquíades, el cual es encontrado muerto en el desierto. Pete buscará a los responsables del fallecimiento de su amigo y más tarde cumplirá la promesa que le hizo de llevarlo de vuelta a su hogar para ser enterrado. Ciertamente el film es un aleccionamiento fabuloso sobre la vida, y además todavía tiene un pequeño hueco para hablarnos de la inmigración y la injusticia de la justicia, y nos deja una buena fotografía del estilo de vida sureña de los Estados Unidos de América, un trabajo excelente en ese campo.

Los personajes del film son realmente potentes, en especial el de Tommy Lee Jones, que dirige el filme e interpreta a Pete, un personaje lleno de fuerza y matices que el trabajo de Jones refuerza de un modo soberbio, tampoco dejan indiferente la joven January Jones, Dwight Yoakam o la siempre fabulosa Melissa Leo, que a pesar de papeles más pequeños su trabajo es tan redondo como el de los protagonistas. Atención especial a algunos secundarios, como el viejo ciego que encuentran en una casa apartado de todo, sus diálogos son francamente excelentes.

En definitiva, nos encontramos ante un western contemporáneo de un estilo único, un trabajo absorbente y lleno de matices que demuestra que todavía se puede sacar a jugo a un género medio extinto.


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TÍTULO ORIGINAL The Three Burials of Melquíades Estrada
AÑO 2005
DURACIÓN 121 min.
PAÍS Estados Unidos, Francia
IDIOMA Inglés, Español
DIRECTOR Tommy Lee Jones
GUIÓN Guillermo Arriaga
MÚSICA Marco Beltrami
FOTOGRAFÍA Chris Menges
REPARTO Tommy Lee Jones, Barry Pepper, Julio César Cedillo, January Jones, Dwight Yoakam, Levon Helm, Melissa Leo, Vanessa Bauche
PRODUCTORA Distribuida por Sony Pictures Classics
GÉNERO Drama. Aventuras
TEMÁTICA Western contemporáneo. Amistad. Inmigración.

SINOPSIS
El cuerpo de Melquiades Estrada aparece en pleno desierto, donde ha sido enterrado precipitadamente después de ser asesinado. Las autoridades locales, sin preocuparse por las causas del crimen, dan sepultura a Melquiades en el cementerio público. Pete Perkins, el mejor amigo de Melquiades, decide investigar por su cuenta.

PREMIOS
2005: Cannes: Mejor Actor (Tommy Lee Jones), Mejor Guión. Nominada a la Palma de Oro
2005: Satellite Awards: Nominada a Mejor Actor en Película, Drama (Tommy Lee Jones)
2005: Independent Spirit Awards: 4 nom: película, director, guión y actor sec. (Pepper)

CRÍTICAS
+ "Incisiva a la vez que suave, dolorosa y al tiempo profundamente disfrutable (...) una de las mejores películas del año." (Kevin Thomas: Los Angeles Times) 

+ "El viaje del cadáver y los entierros de Melquíades Estrada son como una oportunidad para todos los personajes para descubrir quiénes son y de qué están hechos. (...) Puntuación: **** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) 

+ "Película áspera y tierna a un tiempo, ejemplarmente construida (...) también una emocionante lección de vida" (M. Torreiro: Diario El País) 

+ "Una gran película fronteriza. (...) Imponente debut (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Javier Ocaña: Cinemanía) 

+ "Solidez narrativa y visual (...) Para amantes del poswestern. Lo mejor: Tommy Lee Jones a ambos lados de la cámara. Lo peor: el forzado desorden narrativo. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Ricardo Aldarondo: Fotogramas)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: 7
- IMDB: 7,5
* Media: 7,2

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miércoles, 2 de mayo de 2012

AMOR CON PREAVISO


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Bien, antes de que nadie ponga caras raras tras ver este cartel, tengo que decir que hoy no tenia intención alguna de actualización, es uno de esos días desganados y "perrunos" en los que lo único que te apetece es mirar al techo, pero entre yo y el horizonte se ha interpuesto esta película y tras su visionado he pensado que una pequeña reseña tampoco está de más, al fin y al cabo aquí tiene que haber de todo.

Para empezar no hace falta ser un lumbreras para ver que nos encontramos ante la típica comedia romántica tontorrona, llena de tópicos, diálogos chirriantes y situaciones estrafalarias que no llevan a ninguna parte, eso es más que evidente, pero si un día nos pusiéramos a analizar este género (dejando de lado algunas estupendas producciones independientes) veríamos que el patrón para todas es el mismo, entonces... ¿Por qué films como Notthing Hill cuentan con mayor reputación que otras como la que hoy nos ocupa? Si al final es exactamente lo mismo, el trabajo de los personajes no es más afinado en una que otra, las románticas localizaciones pueden ser igual de estupendas, ¿es quizás la banda sonora lo que las diferencia? Mirar, yo no percibo grandes cambios. Por eso, si podemos reivindicar Notthing Hill, ¿por qué no Amor con preaviso?

Hugh Grant no es para nada un actor de mi gusto, y Sandra Bullock es sobradamente conocida por la tirria que le tienen muchas personas (personalmente no tengo nada en contra suyo, es más, me parece muy graciosa y entrañable), pero en esta película hacen una combinación perfecta como pareja, no por la construcción de sus personajes que es más bien limitada, si no por la química que consiguen transmitir a través de la pantalla.

Poco más se me ocurre para defender esta película, de hecho no muchos motivos tengo para ello, más bien es un pequeña reivindicación a el entretenimiento sano, a su favor debemos decir, que a pesar de ser una película más de ese montón de producciones que solo veríamos en una encerrona, con esta al menos no quieres pegarte un tiro mientras la estas viendo. Así que verla, o no, viviréis igual de felices.

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TÍTULO ORIGINAL Two Weeks Notice
AÑO 2002
DURACIÓN 100 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Marc Lawrence
GUIÓN Marc Lawrence
MÚSICA John Powell
FOTOGRAFÍA Laszlo Kovacs
REPARTO Sandra Bullock, Hugh Grant, Alicia Witt, Dana Ivy, Robert Klein, Heather Burns, David Haig, Dorian Missick
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
GÉNERO Romance. Comedia
TEMÁTICA Comedia romántica

SINOPSIS
El millonario George Wade -Grant- no hace nada sin Lucy Kelson -Bullock-, su asesora legal encargada de múltiples tareas. Abogada inteligente de mente estratégica, Lucy también ha conseguido una úlcera y no tiene tiempo ni para dormir. No es el trabajo lo que le afecta. Es George. Inteligente, encantador y sin lugar a dudas absorto en sí mismo, la trata más como a una niñera que como a una abogada educada en Harvard, y apenas puede elegir una corbata sin su ayuda. Ahora después de 5 años aconsejándole sobre todo, desde su ropa hasta sus acuerdos de divorcio, Lucy ha decidio poner punto final. Aunque George le pone difícil a Lucy abandonar la Wade Corporation, finalmente accede a dejar que se vaya, a condición de que Lucy encuentre a su propia sustituta. Tras una búsqueda infructuosa, contrata a una joven y ambiciosa abogada -Alicia Witt-, obviamente interesada en su nuevo y rico jefe. A la vista de que Lucy está literalmente navegando fuera de su vida, George se enfrenta a su propia decisión. ¿Es demasiado tarde para decir "Te quiero"?

CRÍTICAS
= "Hugh Grant sigue siendo un niño grande (por su anterior película "About a Boy", 2002), pero aquí no hay un chaval a quien cuidar y sí una prestigiosa empresa con un peculiar sistema de captación de personal. Por su parte Bullock (en un papel a su medida) debe ser la única abogada licenciada en Harvard que trabaja en asociaciones de ayuda y centros benéficos de barrio. Ambos comienzan a trabajar juntos y, tras las primeras sonrisas, el espectador, sabiendo el final, espera que al menos ocurra algo que no hayamos visto en alguna de las milquinientas previas comedias románticas de chico-y-chica-muy-diferentes-que-se-enamoran-poco-a-poco. No sucede: el director Marc Lawrence pone a descansar el ingenio, cocina la viejísima receta de la abuela a fuego lento... y le sale una pastelosa comedia romántica que, sólo porque "es" una comedia romántica en toda regla, se deja ver." (Pablo Kurt: FILMAFFINITY) 

= "La química entre Bullock y Grant dan bien el preaviso. (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)" (Mike Clark: USA Today) 

= "Sabe lo que tiene que hacer con sus dos estrellas, lo hace, y no lo convierte en un caso federal." (Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly) 

+ "Yo quería que fuera un típica comedia romántica protagonizada por estas dos personas encantadoras, Sandra Bullock y Hugh Grant. Y lo fue. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) 

- "Piensas: ¿Cuánto tardará en que los besos de ella le insten a él a tener algo de conciencia social? Y tras soportar media hora de diálogos de banal telecomedia, la respuesta es: cuanto antes, mejor." (Stephen Holden: The New York Times) 

- "Saturada de rosa. (...) No hay situaciones originales, ni sátira, ni personajes dignos o diálogos divertidos" (Francisco Marinero: Diario El Mundo) 

CURIOSIDADES
- Uno de los dos carteles que se publicaron para la promoción de la película muestra por primera vez el skyline de Nueva York huérfano de Torres Gemelas.

- El papel que interpreta Sandra Bullock fue pensado para ella, ya que el director de la película es amigo suyo.

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 5,1
- Filmaffinity: 4,8
- IMDB: 5,8
* Media: 5,2

TRAILER


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